GAETANO NAVA
PRACTICAL METHOD OF VOCALIZATION
FOR BASS, OR BARITONE
EDITED BY
HENDY BLOWER
NEW YORK : G. SCHIRMER
BOSTON : BOSTON MUSIC CO.
Copyright, 1899. by G. Schirmer
INTRODUCTION
イントロダクション
The Bass Voice.
バス・ヴォイス
人間の声の系列では、バスの声は最も深いものです。この声は、成人男性にとって最も自然な声である。 思春期前にコントラヴォイスだった少年たちは 通常の声の変化で オクターブ低くなり バスヴォイスになり 後にバリトンヴォイスになることが 一般に知られています。
この変化の時期は、温帯地域では、男性では14、15歳から始まり25歳頃まで、女性では12、13歳から始まり20歳頃までとされています。この時期の初期、特に男性の場合、女性よりも変化が顕著で歌声には全く適しておらず、どんなエクササイズをするにしても少なくとも2年間はめ待たなければなりません。
バスの声質は、荘厳で、厳粛で、まじさに満ちています。エネルギッシュで威厳を与えられて、強力な情熱または宗教的な音楽に最もうまく適合します; それは、優しい感情にはあまりに厳粛で、さらに粗すぎます。胸声と呼ばれる純粋な喉頭音で構成されるその音域は一般に次のようなものです：
低音部記号でファからミ
しかしながら、その中心でより響き渡る音は、以下音域の中にあります：
ラからレ
それ以降、最も低い音はむしろ弱く、そして、高いDより上の音はやや強引な印象があるためです。
バスや バリトンの声は、たとえ最良のものでなくとも、完璧に音程が取れていれば、ブッフォのスタイルに適している場合があります。
The Baritone Voice.
バリトン・ヴォイス。
バリトンはバスとテナーの中間に位置し、両者のブレンドまたはフュージョンと呼べるかもしれません。
その崇高で感動的な口調は、確かに強力な情熱、最も繊細な感情を表すのに役立ちます。
その通常の声域（また、バス音部記号で記される）は、次のようです：
バス音部記号ラからファまで。
しかしながら、その中心でより快い音は、これらの音域に含まれます：
ドからミまで。
バリトンヴォイスの声域がすべて1つのレジスターに属していると考えるのは誤りである。ライン上のCから始まって、ミックスと呼ばれる声質で滑り込むと、高音域は見事に甘美な音で到達することができきます。
このミックスヴォイスは、ソプラノやメゾ・ソプラノの中音のように、喉頭の上方で生成されます。しかし、少なくとも初めのうちは、そう簡単に見つかるものではありません。したがって、この種の声は、チェストヴォイスでもヘッドヴォイスでもなく、2つの音域の混合でなければならないと考える必要があります。このようなことが理解できるようになったら、次の音符で練習するのが最も望ましいでしょう。
全音符で、ド～レ・フラット、ド・シャープ～レ、レ～ミ・フラット、ミ~ファ
どの若いバリトン歌手も、ミックス・ノートを大切にせず、胸から最も高い音を出そうと努力し、さらに、声帯が自然に出せないものを出すという不可能に近いことを試みることで間違いなく自分の声を台無しにし、いや、完全に失う危険に身をさらすことになります。その一方で、芸術の規則に従って巧みに育成することによって、最も陰影に富んだ効果を声から得られます。
On Vocalization
ヴォーカリゼイションについて
ソルフェージュの予備学習により楽譜を十分に読み、いかなる音程も正確に唱えることができるようになり、また、発声器官が十分に発達したら、直ちに発声練習に取り組まなければなりません。
ヴォーカリゼイションは、声にアジリティを提供する唯一の手段として簡単な母音を用いていくつかの与えられたソルフェージュを歌うことで、それをしなやかなものとし、すべて歌の技術的な難点に対処する準備をします。
しかし、この種のソルフェジオの実行は、音符をアタックする技術、ある音域から別の音域へ気づかれないうちに移る技術、ある音から別の音へ優雅に滑る技術、すべての装飾を簡単に軽やかに正確に実行する技術、メロディを適切にフレージングする技術を習得するためのいくつかの予備練習を先行させ、さらにそれを散りばめる必要があります。
ヴォ―カリゼイションの練習は、歌の完成のために絶対に必要です。なぜなら、この練習によって正しいイントネーションが確保され、本来はあまり望ましくないはずの声が柔軟なものになり、母音の音をはっきりと表現できるようになるからである。したがって、これなしにうまく歌う技術を習得しようとするのは許されない僭越な態度となるでしょう。
通常の練習で最もよく使われる母音は広いA（ah）です。しかし、これは度を過ぎると乱用と思われるかもしれません。いわゆる歌唱では、トリルでもすべての母音を使う必要があることが多いからです。
The Posture of the Body while Singing.
歌唱中の体の姿勢。
歌い手は威厳のある態度をとり、教養のない人やセンスのない人にありがちな、優雅でない動きや影響を受けた動きは避けなければなりません。したがって、歌い手は自分の声をより自由に、より楽に出すために、何よりも直立した姿勢で、かかとを合わせ、つま先をわずかに外側に向けなければなりません。また、頭をまっすぐ高く、前に出過ぎず、後ろに下がり過ぎず、胸を張っていなければなりません。
これらの手段によって、声の発達はかなり促進され、イントネーションをコントロールすることがはるかによくできるようになります。 さらに、呼吸の往復運動が驚くほど容易になり、歌の技術における困難のほとんどがこれによって解消されます。
これらの観察は、もちろん、主に学生や、劇的なアクションの必要性に縛られていないときの歌手に向けられたものです。
The Vocal organ, and the Position of the Mouth.
発声器官と口の位置。
発声器官は、口の奥から肺の中に至る円筒形の管で構成されている。これは気管と呼ばれ、上端は喉頭と呼ばれ、様々な軟骨で形成されています。
喉頭の上方2カ所は、声帯と呼ばれる2本の靭帯で構成されています。
これらは、いわば唇を形作り、声門と呼ばれる小さな楕円形の開口部を作ります。 その上に喉頭蓋と呼ばれる軟骨があり、これで開口部をふさぎます。喉頭は声を出すのに不可欠な器官であることに疑いの余地はありません。先ほど述べた開口部を通過する空気が声帯を振動させ、この振動によって声が形成されるのです。
声のトーンは、主にアキュート（鋭音）とグレイヴ（重音）、あるいはハイ（高音）とロー（低音）に分けられることがあります。前者を出すには、喉頭を上げる必要があり、そのために適切な筋肉が収縮して、声門を口の後方に近づけます。深みのある音を出すには、その逆のことが起こります。この喉頭の上昇と下降は、1オクターブにつき、指の半分ほどの幅に及びます。【太線強調：山本】
また、口蓋垂（Uvula）と扁桃腺（Tonsil）【訳注：おそらく軟口蓋と口峡柱からなる口峡のことを云っている。】の位置なども声質を決定するのに役立ちます。 舌、歯、口蓋、唇、鼻腔も同様に、声の響きを左右します。
歌うときには、口を開けて、はっきりと、豊かに、美しく声を出さなければなりませんが、口の自然な大きさも考慮に入れなければなりません。
良い歌の流派が定めた規則は、上の歯が下の歯の上に垂直になるように口を開け、少なくとも不快感なく、ほとんど微笑みながら、その位置で自然な適合性と優雅さを維持します。
この一般的なルールは、より限定的にヴォーカリゼイションに適用されます。なぜなら、（いわゆる）歌唱では、自然に様々な変更を自己に適応させなければならないからです。しかし、声の響きが正しく、純粋で心地よいものになるのを妨げてはなりません。
私は、間違った口の位置について分析することで、この問題に長く付き合うことはしませんが、若い学生には上記の規則で満足することを勧め、同時に額のしわ、目の歪み、首のねじれ、その他、観客に不快感を与え歌の完成度にとっても同様に有害な、あらゆる間違いやトリックを避けるよう助言するのみです。
Breathing.
呼吸。
呼吸は、「吸気」と「呼気」という2つの動きが交互に繰り返されます。横隔膜と呼ばれる水平方向の筋肉の伸縮によって、肺で行われます。肺に空気を取り込むことを吸気といい、それに続く排気を呼気といいます。
息を吸って、それを節約し、喉頭に常に十分な息を供給して、音を丸く充実させることは、歌い手にとって最も重要なことです。
歌い手は、努力することなく、また、呼吸を感じさせないように努めなければなりません。 というのも、歌うときに、嗚咽のような音を伴う重い呼吸を聞くことほど不快なことはないからです。
吸気には、フレーズの始めにゆっくり時間をかけて取るロングと、音楽のフレーズのある部分で明らかに休息がないところで息継ぎをしなければならないショートとがあります。
歌い手は、自分の呼吸力の限界を超えないようにすることが義務であり、それによって、フレーズを維持するのに都合のよい歌唱の種類に自分を適合させることができます。
また、息の量が多かろうと少なかろうと、音の形成とその陰影や組み合わせにおいて、息の放出をどのように管理するかを知らなければなりません。
重厚な音や深い音は多くの呼吸を必要とするので、それらを十分に持続させるために、その振動の動作はできる限り控えめにしなければならない。より鋭い音（acuter）、より高い音は、その振動に多くの息を費やすことになります。
また、息を出すときにも、表現に役立てるために、音が完全に持続する前にすぐ失敗してしまわないように、小さな音から大きな音へ、あるいはその逆へと変化させる必要性を見失ってはなりません。
呼吸は、音楽のフレージングにおける必要性だけでなく、話し言葉における句読点に類似していると考える必要があります。そのため、メロディーのフレーズを邪魔しないように、息を吸うのに最も適した場所を見分けることが不可欠です。
息継ぎが許されるのは、休符、フレーズの終わり、長く続く音の前、フェルマータの時だけです。
しかし、この規則をあまりに厳格に適用すると、人が生まれつき非常に長い呼吸を維持する力を持っていない限り、有用であるよりも有害であることを証明するかもしれません。したがって、半分または短い呼吸の使用は許されないものではなく、フレーズの特定の小部分、アクセントのない部分または小節、さらには強いビートのごくわずかな後に使うことができますが、常に呼吸は声に適切な強度を与え、フレーズを終えるときに息切れしないようにすることです。
完璧な技術で呼吸していない人は、うまく歌うことができません。
Intonation.
イントネーション。
イントネーション、つまり、すべての音と間隔に属する適切で正確な音程は、確かに歌の最も重要な要素の1つです； なぜなら、音楽において誤ったイントネーションほど耳に不快なものはないからです。
まず第一に、例えば高すぎる音や低すぎる音を出そうとすることによって、声を強制してはなりません。しかし、正しいイントネーションを容易に得ることができる中間音を、常に使用しなければなりません。
この規則を注意深く守り、タイミングよく呼吸し、すべての旋律の基本的な要素である音程を十分に練習すれば、誰でも正しくイントネーションすることができます。ただし、歌い手が良い耳を持ち、音の評価に敏感で、音楽に親しむことが不可欠であり、これらのことは正確なイントネーションを達成するための大前提条件となります。
On the Manner of Attacking and Sustaining the Tone.
音のアタックと持続の方法について。
アタック（起声）とは、音を即座に、ストレートに、純粋に、小さくても大きくても、引きずったり、ずり上げたりせずに出すことです。 そして、このようにアタックされた音は、その音の全ての時間、声によって維持されなければなりません。
ある種の高齢の歌手は、疲労のため、自分でも気づかないうちに、絶えず震える声で歌うことを余儀なくされますが、これは、ある特別な場面では感傷的な歌を歌う際の魅力と見なされることがあります。
この欠点は、ヤギの鳴き声を連想させるもので、定評のある古株の芸術家には時折見られるかもしれません、若い芸術家には絶対に避けるべきもので、厳しい非難を受ける覚悟がない限り、何よりもまず、あまりに露骨にならないように自分を大衆の前に示さなければなりません。
2023/01/14 訳：山本隆則