[WE SANG BETTER VOLUME 1 HOW WE SANG by JAMES ANDERSON]
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INITIAL QUALITY TO GO FOR
目指すべき最初の音質
Without forcing, go for a pure, clear sound, with a firm centre
強制することなく、ピュアでクリアな音、固く芯のある音を目指します。
昔の歌手は、自然な音を声に残すことにこだわっていました。また、声を早く「老成」させたり、「大きく」させたりするようなことはしませんでした。それは、とても量の前の品質の症例であった。まさに「量より質」だったのです。
昔の歌手は、最初からピュアでクリアで安定した音を目指しました。こうした最初の音質を非常に重視しました。
歌い手が時間をかけて声を鍛えていくことで、この最初の音質がより強くなっていくことが期待されました。このような強度の向上によって、昔の歌手は表現力、ソノリティ、『鳴り』の力を得たのです。それを無理強いするのではなく、あくまで自然に任せるということでした。前章で明らかになったように、この開発全体は、ゆるやかな『セットアップ』の中で行われなければならなかったのです。
このような学習には、理想を理解すること、そしてもちろん忍耐と信念が必要ですが、よく考えられた『小さな』ものが、最終的に『大きな』ものを表すようになるケースなのです。
今いる部屋を埋めるために無理やり音を出すのではなく、自分の中に完璧な音の「芯」や「核」をゆっくりと作り上げていくのです。
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59. 昔から言われていること- Cerca la qualita（質を求めよ）、量を求めてはいけない、 なぜなら、その量はいずれやってくるものだからです、他のどの方法よりも、おそらくこの方法で
60.イームズ – 無理強いはせず、常に自然の力に基づいた段階的な発展を目指す
61.バイリー – 量を求めてはいけない
62. バルフェ＆ベーコン – 最初の目標は、純粋な音と正確なイントネーションである
63. J.シュトックハウゼン – そう、これらは絶対に必要なものである
64. ジェリッツ – 明晰な音、そして無理のなさ。
65. ガリクルチ – 音の鳴り……そして強制しないこと
66. C.ノヴェッロ – 生涯続く堅実な美徳
66. リーブス＆ベイリー – ふらつかない、自然で安定した状態を保つ。
68. アルボーニ – 集中した音のもたらす喜び
69. ウッド – その非常に『小さな』ものが『多くの』ものを表すことができるという理想
70. B. ニルソン – 声を厚くするのではなく、細くする、響きの強度向上をめざす。
71. クラウス – 暗い音は運ばれない
72. ウッド – 『鳴り』がすべて – 注意深く聴くことと熱心な練習が必要
73. ジーリ – 美声は低くではなく高く響く
74. シューマン – ハインク – そして、初期段階では自分の音色がつまらなく感じられても気にしないこと
75. ロンドンのSVS – 確かに、勉強を始めるにあたって、「厚い」よりも「薄い」ことを意識しよう
76.シュトラウス – 心地よく、純粋でクリアな 声が運んでくれる
Tip 59
昔のイタリアの声楽楽派には、いくつもの格言がありました。その中のひとつを紹介します：
Cerca la qualita e la quantita verra.（質を求めれば、量はついてくる。）
コメント
『質を追求すれば量はついてくる。』あなたの声の自然な響きが最も有用なガイドであり、昔の歌手は自然な響きを保つために努力しました。彼らは、自分たちの音の芯を見つけることを奨励され、その芯は時間とともに強さと活気を増していくのです。彼らの文章を読めば、彼らがこの結果を全面的に信じていたことが理解できるでしょう。(最近のメソッドでは、音色の純粋さよりも音量を重視するものが多くなっています。）
彼らの声は、後継者たちに比べて、音量や響きが劣っていたのでしょうか？
20世紀初頭のロンドンで多くの名歌手たちと歌った歌手キャリー・タブ Carrie Tubb を聞くと、そうではないことがわかります。1969年、BBCラジオで老境に入った彼女がインタビューに答えています。彼女は、マイクロフォン以前を固く信じていて
彼らは、よりラージな声、よりビックな声でした。
と、やや語気を強めて付け加えました、
まあ、当時は人が大きかったですからね。
なぜ声が大きかったのかと質問されると、こう答えました。
トレーニングにじっくりと時間をかけました。
Tip 60
エマ・イームズ Emma Eames（「デイムズ」と読む）は、アメリカの優れたソプラノ歌手です。
フランスでは、作曲家グノーを紹介され、強い関心を示されました。彼女は1889年、パリで彼のオペラ『ロメオとジュリエット』に出演し、スターテナーのジャン・ド・レシュケの相手役としてデビューを果たしました。
デイムズが自ら語ったように、翌朝、彼女は2つの大陸の話題で目覚めました。
デイムズのアメリカでの最初のトレーニングは、順調でした。彼女はまず母親から教わりました（我々の歌手の多くもそうです！）。そこで家族は、より広いバックグラウンドを持っている人を探したのです：
私の家族は私自身が、留学経験のある人、つまり母以外の人に師事することを強く望みました； そこで、バリトンのデレ・セディの弟子であったクララ・マンガーが選ばれたのです。
ミス・マンガーは最も良心的で注意深く、私に一切無理強いさせることなく、徐々に私の声を引き出してくれました。
彼女のエクササイズは、私の声を自然に成長させるもので、決して私の実力以上のものを要求するものではありませんでした。
コメント
デイムズの声は実に力強いものでしたが、ここで注意していただきたいのは、決して無理強いはせず、自分のペースで自然に育てていったということです。
Tip 61
ここでも、トレーニングにおける強引なやり方をしないということを推奨しています。イソベル・ベイリー Isobel Baillie は、英国の主要なオラトリオ・ソプラノ歌手として、長く活躍してきました。1925年、最終学歴に向けて：
… ハミルトン・ハーティは、私がグリエルモ・ソンマ Guglielmo Somma にアプローチするよう勧めてくれました。彼は非常に優れた声楽コーチであり、今ではイタリアで最も偉大なバリトンの一人、リッカルド・ストラッチャーリ Riccardo Stracciari の個人指導者として記憶されているかもしれません …
ソンマは当時中年後半の男性で、音量を音楽性と同一視する最近の教師とは対極にある、静かで抑制の効いた教え方をしていました。
ベイリーの先生は、量ではなく質を求めていました：
ソンマは私の声を大きくしようとせず、全音域で均一な音色を実現することを優先しました。
コメント
量より質にこだわることで、最終的な声の大きさが制限されるのではないかと思われるかもしれませんが、バイリーの場合、最大の会場で演奏していたことをぜひ知っておいてください。
例えば、下の写真の公演では、彼女はソプラノ・ソリストとして出演しています。
Handel Festival, June 1939, Alexandra Palace, London *での写真あり
【*後注、467】写真の配線は、増幅用ではなく録音用でした。
Tip 62
音質は、まず純度によって決まります。ここでは、私たちの初期の50年間から、純度に関する2つの言及を紹介します。アイルランド人のマイケル・バルフ Michael Balfe は、最近では作曲家として思い出されるが、イタリアの舞台でバリトンとして成功し、ロンドンでは指揮者としても注目された人物だったのです。彼は1850年に『イタリア式歌唱法』を書き、次のように述べています
声の形成において、最初の目的は、その自然な音色を可能な限り純粋な状態で引き出すことである。
リチャード・ベーコンは、1818年に英国初の音楽雑誌を創刊し、声楽教師として、またロンドンの評論家として、1824年に『発声科学の基礎（Elements of vocal Science）』を著しました。ベーコンは『pure』という単語を大文字にしたくらいです。その際、『声は出来るだけ自然をベースにしなければならない』と強く訴えていました。そこで彼は、練習の第一の目的は次のようなものであると説きました：
……純粋な自然な声……純粋な音を形成する正確な方法、ひいては最高の状態で音を出す方法を学習者に導くような、芸術的なものだけを紹介する。
コメント
ベーコンは、まず質を追求し、その上で練習を重ねて声を成長させるというイタリアの方式に全面的に賛同しました；
声はエクササイズによって自然にボリュームを得ることができる、 しかし、重要なのは、音色の素晴らしさ, 輝き、豊かさ、甘さなど、聞く人に影響を与えるあらゆる特徴を損なうことなく、音量を得ることである。
また、バルフェはイントネーションの必要性を指摘しています：
この[最初の]練習では、音の純度だけでなく、イントネーションの正確さにも最大限の注意を払う必要があります。
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DEDICATION
献辞
～～～～～
親愛なる母、私の歌の芸術における最初の教師であるあなたの思い出に、私はこの作品を捧げます。まだ子供だった私の中に、音色の美しさ、明瞭で表現力豊かな発音、共感できる語り口に対する感情を最初に呼び覚ましたのは、あなたの声の魔法でした。当時3歳だった私に、「C’est la petite mendiante qui vous demande un peu de pain（パンをくださいと言う小さな乞食の女の子）」という乞食の子の歌を教えてくれた天使の声が、今も聞こえてくるようです。何度聞いても飽きることなく、自分で歌えるまで何度も「アンコール」を繰り返しました。今でも心の中で、その魅力的な唇が偉大なヘンデル、愛らしいハイドン、そして神聖なモーツァルトの曲を発しているのが聞こえます。あなたの絶対的な純粋な音色に私の耳は鍛えられ、あなたの声によって私の声は形成されました。このような声と手本が子供の心にどれほど深く永続的な印象を与えるか、信じられない人は、有名なJ.B. クレイマーの評価を聞いてみてください。ロンドンで行われたコンサートのリハーサルで（父がよく自慢げに話していました）、母はモーツァルトのレチタティーヴォとロンド「Ch’io mi scor di te」をオーケストラとピアノフォルテのオブリガートで歌っていました。。当時、すでに高齢だったクラマーはピアノを弾いていましたが、演奏の終盤になると、歌手の歌声に圧倒されて膝をつき、その姿勢のまま演奏を続けました。母が歌い終わると、「これは天上からの響きであり、崇拝に値する響きだ」と言いました。
アルザス地方ゲブヴァイラーの公証人の娘マルガレーテ・シュムックは、1803年3月29日に生まれました。パリでイタリア人の歌の師匠であるカトルッフォから音楽の手ほどきを受けました。初めて人前に出るということで、若い歌手はとても緊張していました。師匠は彼女に勇気を与えようと、最後に力強くこう言いました： “マダム、あなたは恐れる必要はありません。あなたがこの世に生を受けたとき、良き主はあなたを蹴っ飛ばして「行って歌いなさい、私の子よ」とおっしゃいました。”確かに彼女の声は、人間のものとは思えないほど純粋で、共感できるものでした。英国でコンサート歌手として短いながらも輝かしいキャリアを積んだ母は、1842年に公の場から引退しました。彼女は1877年にコルマールで亡くなりましたが、音楽新聞はこの控えめな芸術家の死をほとんど報じませんでした。もし、彼女の息子が、このアルザスの真珠を忘却の彼方から守ることを自分の義務と考えたら、誰がその息子を責めることができるでしょうか？
JULIUS STOCKHAUSEN．
Frankfort-on-Main, 1884
【訳注：この献辞は、Stockhausen: Methode of Singing 1884. Translated into English by SOPHIE LÖWE】
Tip 63
10代のユリウス・ストハウゼン Julius Stochausen は、ドリアと同じくライプツィヒ音楽院の生徒で、歌だけでなく、いくつかの音楽分野の生徒でした。1845年、19歳のときにパリ音楽院に移り、ピアノをハレに、歌をマヌエル・ガルシアIIに師事し、4年後にはガルシアとともにロンドンに渡り、研鑽を積みました。1850年代にはパリ・オペラ・コミックで歌っていました。しかし、シュトックハウゼンの主な活動は、歌曲のリサイタルとオラトリオであり、この2つの分野で彼は重要な人物となりました。彼は、シューベルトの「美しき水車小屋の娘」を初演しました。ブラームスは、シューマンの「ディヒターリーベ」の初演で伴奏しました。そして、ブラームスの「ドイツ・レクイエム」の初演で歌ったのはシュトックハウゼンでした。彼の声は「豊かな美しさ」を持っていると言われました。彼は1884年に『歌唱法』を書き、音色についてこう述べています：
… 音の純度は、絶対的なもの、必須なものと言えるかもしれません。
コメント
音の純粋さは、他の多くの歴史的な歌手によって言及されましたが、私たちのTipsの中で、おそらく最も共通する必須条件です。純度の高い音色を維持・発展させるために、できる限りのことをしなければなりません – そう、それは、もともと持っていないものを育てるものだと考えられていたのです。
シュトックハウゼンは、その著書の魅力的な献呈ページ（左図）にあるように、母の『絶対的に純粋な音色』を、生涯を通じて自分の声の本質的な指針としてきたのです。
シュトックハウゼンの両親は音楽家で、母親は見ての通り歌手であり、父親はハープ奏者でした。
シュトックハウゼンは、音の理想にイントネーションの純度を含めていました。
Tip 64
純度の次のコンセプトは透明性でした。マリア・ジェリッツァ Maria Jeritza は、モラヴィア出身のソプラノで、印象的なステージを披露しました。彼女の力強い声は、ウィーンやニューヨークで賞賛され、トゥーランドットのアメリカ初演では、そのタイトルロールを務めました。『ナクソス島のアリアドネ』のアリアドネやシュトラウスの『影のない女』の皇后役など、多くの役を創唱しました。ジェリッツァは、自分の声の透明感について、その特徴を邪魔しないように、注意深いトレーニングを受けたと、以下のように語っています：
…12歳の時、私はブルンの音楽学校に通っていました。そこでは、通常の授業とは別に、クレイチ Krejci 教授が週に2回、個人レッスンをしてくれました。子供の頃は、よく通る声だったと自分では思っています…クレイチは当時から私に将来があると確信しており、細心の注意を払って教えてくれました。
彼は私に、学生なら誰でも気づくような、とても大切なことを最初に教えてくれました。それは、「叫んではいけない」「無理に声を出してはいけない」ということです。声楽を学ぶすべての人が心に刻むべき教訓です。声を張り上げたり、無理に音を出したりする癖は、声が形成されるときに身につき、それが続くと、破滅的な結果を招くからです。
コメント
確かに、ジェリッツが彼女の声を育てることに気を使ったのが功を奏したのでしょう。彼女の大人の声は力強くもあり、とても魅力的でした。
Tip 65
そこで、トレーニングで無理に声を出すことは絶対にしないようにと、また新たな指導がありました。ここで、超人気ソプラノ歌手アメリータ・ガリクルチ Amelita Galli-Curci が同じことを言っています：
無理に声を出さずに歌う……決して（息を）押し出さない、ということに尽きます。これは、音作りの普遍的な原理です。フルートが保持できる以上の空気を吹き込むと、ゼーゼーいう音やヒューという音がが出ます。バレルを聴けば、充実した軽快な音質が聴こえるはずです。クライスラーやハイフェッツと同じで、純粋で美しい響きがありながら、弦の存在を感じさせないのです； 声もそうであるべきです。
コメント
ガリ-クルチは優れた観察者であり、音楽の基本的な真理をここに述べています。もし、純度と透明度が得られれば、そして強制しなければ、美しく調律されたソノリティを得ることができる可能性があるのです。楽器がそうであるように、人間の声もそうでなければならないのです。
ガリクルチは、息の『押し』が全くあってはならないことを強調しています（この点は、第3章で確かに確認しました）。 そして、もしあなたの歌に 『メカニズム』を暗示するものがあれば、それは間違っていると言っているのです。
Tip 66
純粋でクリアであることはもちろん、声が安定していることも必要でした。イギリスのソプラノ歌手クララ・ノヴェッロ Clara Novello は、イタリアの伯爵と結婚してイタリアに定住しました。1890年、70歳を過ぎた彼女のことを、ローマ人の特派員がイギリスの新聞に寄せた文章を紹介します：
クララ・ノヴェッロ （現在はコンテッサ・ジリウッチ）が歌ってくれました。71歳とはいえ、まだ鐘のように澄んだ素晴らしい声を持ち、ヘンデルのエア『主の安息』、ヴェラチーニの魅力的な小曲を、小さな揺れやトリルも含めて、私が聞いたことのないような歌い方で、しかもふらつかず実に見事に歌い上げました。それは、最も芸術的なおもてなしでした。彼女の歌声は、フラウ・シューマンの演奏を思い出させます。
コメント
最高の歌声は、その歌手生活を通じて安定していたことに気づかされます。実際、ノヴェロの声は90歳になっても安定していました：
若い頃、有名な外科医が彼女の喉を診て、80歳まで生きても歌唱力は衰えないだろうと言ったが、その予言は忠実に実現された。
最後に歌ったのは83歳の時で、「Lift thine eyes」の最初のパートを歌いました、 1年以上歌われなかったために、1、2度声がかすれたことがあったが、彼女の声は昔と同じように安定し、清らかでした。
しかし、90歳を目前にした最後の最後まで、彼女は昔の曲の断片を、驚くほど新鮮で安定した声で歌い続け、周囲を驚かせました。
Tip 67
安定感について、もう2人の歌手の見解を紹介しましょう。
シムズ・リーブス Sims Reeves は、友人の作曲家サー・アーサー・サリバンに宛てた手紙の中で、コミカルに次のように記したことがあります：
Il Vecchio Tenore Robusto Senza Il Tremolo 【トレモロなしのオールド・テノール、 ロブスト】
1960年代にイソベル・ベイリー女史が嘆いて：
最近よく耳にするビブラートというのは、私の中では「悪い歌」です。 漠然とした音程で、大きく揺れ動く音で、1つの音を中心とした自然な声の動きではなく、少なくとも2つの音を含んでいます。
コメント
指揮者のトスカニーニは、バイリーを「イギリスのナイチンゲール」と名付けた。BBCのためにブラームスのレクイエムを演奏した後の彼女の声について説明しました：
『まさに音の真ん中で、このような～～～～～～～は一切ありません』と、コンサーティナを弾くように手を振ってみせたのです。
Tip 68
純粋な音、澄んだ音、安定した音、これらが出発点の基本です。その後、練習を続けることで、あなたの音は集中力と強度を増していくでしょう。集中と言うのは、音が鈍くなったり、空虚になったりすることなく、音に生きた『中心』があることです。
その素晴らしい例は、19世紀最大のコントラルト、マリエッタ・アルボーニ Marietta Alboni です。彼女は最も成功したキャリアを持ちましたが、あまりに食べ物が好きだったためか、やや早く引退してしまいました！
例えばベルリオーズは、アルボーニの声を非常に素晴らしいと思っていました（彼の記述はTip 256にあります）。1889年にアルボーニのことをよく知るようになったエマ・ダイムズ Emma Eames にとっても、彼女は大きなインスピレーションでした：
アルボーニ夫人は、ロッシーニと同時代の最も偉大なテノール歌手ルビーニの両方の弟子でした。60歳を過ぎて、脂肪で重くなった体でも 彼女はまだ自分の声を完全に支配しており、自分の意志のままに操ることができ、その上、音の集中力も素晴らしいものがありました。
コメント
ダイの集中力を著しく向上さ せました。正しいセットアップをすれば、強く集中した音は、非常に力強く、響きがあり、新鮮で影響力のあるものになります。
Tip 69
サー・ヘンリー・ウッドは、イギリス音楽界で非常に大きな地位を築きました。指揮者であり、コンサートの企画者であっただけと思われがちですが、彼が人生で最も愛したのは人間の声だったのです。彼は歌手と結婚していて、キャリアを通して人の歌を支援するための施設を持っていたようです。彼は、歌手との対話に多くの時間を費やし、また歌手と一緒に仕事をしました、 そして1928年、彼が「マグナムパス」と呼ぶ4巻の著作『優しい歌の技術』をまとめました。タイトルにご注意下さい。彼は、あなたが非常によく通る声を作れることを望んでいますが、あなたはそれをやさしく訓練する必要があるのです。そして、このような敬意と真剣さをもってトレーニングに取り組まないと歌はどんどん退化してしまう、と予言したのです。
ある巻では、彼は東洋哲学を持ち出して、歌手として身につけるべき音の「集中力」を特徴づけています：
…[現代の]芸術家たちは、音楽的でない、教養のない大衆の力を借りて、スタイルのないもの、向こう見ずなもの、無秩序なものを好む傾向がある。これらの好みを大切にする歌手は一流になることはできない。彼はそれらを捨ててゆっくりと遠くへ行かなければならない。
彼は『永遠の光で現世に触れ、見えないものを影で示す手段として見えるものを使わなければならない』そして、小さな中に多くのものを表現しなければならない。彼の技術は透き通って聞こえなければならないが、浅いものではなく非常に深いものでなければならない。
コメント
歌唱の難解さや精神的な側面がどうであれ（これについては第IV部の最後で詳しく説明します）、『小さな中に多くのものを』という考え方は、良い訓練、良い歌、良い解釈、そして聴衆を感動させるために非常に役立つ鍵となります。我々はこの考え方を重視した他の歌手にも出会えます。
つまり、あなたの声は澄み切った『サウンド』でなければならないが、あなた自身は深く『あらねば』ならないと言えるでしょう。
Tip 70
ドラマチックなソプラノ歌手、ビルギット・ニルソンは、つねに淡々とした性格で知られていました。ビジネスでは、’no goddam dollars, no Götterdämmerung’.「ドルも、『神々の黄昏』もない。」でした。1993年、コヴェント・ガーデン王立歌劇場のクラッシュ・バーでマスタークラスを開いたとき、若い歌手に対する彼女の原則的なアドバイスは
声を細くすること
彼女は、自分の先生から『支え』について言われたことがないことに言及しました：
空気が欲しい時に息をするだけでした。
ストックホルムでは、その年のオペラオーディションで1位を獲得した後、テノール歌手のジョセフ・ヒスロップのもとに送られ、彼女が言うには、
彼女の声帯を働かせた。
音に集中し、一音一音に均等な強さを求めるようになったのは、彼のおかげです。
バイオリンのように。
コメント
あなたの響きを集中させることを考えるアドバイスは、貴重である。確かに、上に行けば行くほど、特にそうであることがわかります。その時、本人には細く聞こえるかもしれませんが、人前ではその集中した音の芯が伝わります。最高の声は、自分の音に芯や核があり、それを適度にリラックスしたセットアップで管理しています。
Tip 71
スペイン人のアルフレッド・クラウス（1927-1999）は、19世紀の高音のテナー役を得意とし、70歳を過ぎても軽々と歌いこなしたという長いキャリアをもちます。彼は60歳の時、まだ他のプロのテノール歌手よりも若く聞こえ、一度もキャンセルしたことがなかったが、ニューヨーク・タイムズの音楽評論家、ウィル・クラッチフィールドのインタビューを受けたことがある。クラッチフィールドは、クラウスの声が『苦労せずに広い空間に伝わる』ことに感心し、『メットで彼を聴いたことのある人なら、彼がいかにこれをマスターしているかが分かります。多くの大きな声の歌手は、オーケストラ越しに聴くのが難しいのですが、クラウス氏は常にクリアで真実味のある音で聴かせてくれます』とコメントしました。クラウスはこう答えました、
このような歌手は、大きな音量を得るために声を暗くしますが、金属を含んだ明るい音は伝わります。暗い音は大きくても、その場にとどまってしまいます。そして、声にとって危険なのは、しばらくすると、もう高音は歌えなくなり、柔らかく歌うこともできなくなり、たった一つの可能性しかなくなってしまうからです。
[『We Sung Better』におけるThe New York Timesからの引用は、第2巻の文献に記載されている特定のライセンスのもとで行われている。］
コメント
クラウスのライブはコベントガーデンの「天井桟敷」の席で何度も聴きました。そして、声を暗くしようとする自然を超えた試みは、声の伝達能力を低下させるということに、私は確かに同意します。クラウスのような金属的で明るい声が、本当に客席の後ろまで届き、しかも言葉をはっきりと伝えてくれるのです。この単純な音響的事実は、かつてはよく知られていました。オペラの管理者がその重要性を再認識し（…そして、多くの劇場が現在採用している増幅システムをOffにすることを）、どれほど願っていることでしょう。
Tip 72
ヘンリー・ウッド卿は、4巻からなる『The Gentle Art of Singing』（1927年）の中でこう書いている：
現代の歌手の絶えずつきまとう過ちは、息を吹き込みすぎてしまうことです。貧弱でか細い声を、大きく、暖かく、響く声にしようと努力するあまり、生まれつきの声質を酷使してしまい、その結果、彼の声は総じて不安定で、ふらつき、気息声であり、鈍く、ベールに覆われ、ボーっとした声質になってしまいます。
劇場やコンサート会場のオーケストラに本当に伝わるのは、明るくクリーンな音だけです。音に鳴りがあることが、努力すべき素晴らしい資質なのです。音には生命力がなければなりません。それを得るには、何年にもわたる入念なリスニングと熱心な練習が必要なのです。
コメント
ヘンリー卿にとって、この鳴り響く音は、あなたの成果の始まりであり、その上に他のすべてを築く基礎となるものでした。
練習方法は穏やかに、成功した生徒は最終的にオーケストラに乗れるような音色を約束した（ヘンリー卿は大きなオーケストラが好きで、彼のTip 61を見てください！）。
歌の世界では、鈍い音、フツウの音、霧のような音、無気力な音、息の多い音は使い物にならないのです。
学生歌手を指導するために、練習だけでなく、注意深く聴くことにも言及していることに注目してください。学生が自分の耳を賢く使うということは、私たちの情報源の中でもよく出てくることです。
ヘンリー卿は、歌手の音の上達をこのように考えていました：
基礎となる音色は、常に銀のトランペットのように明るく、鳴り響き、澄んでいなければならない…喜びに満ちている…これが土台となる。（あなたの）練習に、鈍い、ベールに包まれたような音色を一つも入れてはならない。母音に色をつけるのは、実際の単語が登場する後まで残しておかなければなりません。私の耳には、ドラマチックな色彩、真のエモーショナルな歌声は、基本的な明るい音質から発展したものだと感じられます。どんな明るい音色でも、暗くしたりベールに包んだりすることはできます…しかし、鈍い気息声のような声を明るくしようとするのは、壁を飾り付けた後に土台を埋め込もうとするのと同じである。
Tip 73
ベニアミノ・ジーリ Beniamino Gigli（1890-1957）は、20世紀で最も美しいテノールの声の持ち主でした。オペラ一家に生まれたフランス人の耳鼻咽喉科医トマティスは、1940年代にジーリとの出会いを語っています：
もう何年も前のことですが、私は幸運にもベニアミノ・ジーリに出会うことができました。彼は、その驚異的なテクニックで、人生の最後まで歌い続けることができた、特別なアーティストだったのです。会話の中で、彼は自分の声色をダイヤモンドに、カルーソーの声色をゴールドに例えました。ジーリが母音の形をどのようにコントロールしているのか、テクニックをどのように確かめているのか、などなど、ワクワクするような話をたくさんして、私はすっかり魅了されました。
我々は、フランス人を中心に他の歌手の話もしました。彼は、面白い発言をしました… “フランスには美しい声がたくさんあることに気づいていましたが、なぜみんな1オクターブ低く歌っているように感じるのか、理解できませんでした。”
コメント
ジーリはおそらく理解していて、それを丁寧に説明していたのでしょう！
ジーリの声は、声に「輝き」がある古い伝統のものでした。
それは、音を運ぶ力、クリアな音色、ディクションの明瞭さ、伝えやすさ、感情を伝える能力、音色の美しさなど、演奏者にとって嬉しいものばかりですが、観客にとっても非常に有益なものです。
次の2つのTipsでは、『低い』音を目指してはいけないということをさらに強調しています。
Tip 74
エルネスティン・シューマン＝ハインク Ernestine Schumann-Heink （1861-1936）は、同時代のオペラの中心的なコントラルトでした。例えば、1909年にドレスデンで行われたリヒャルト・シュトラウスの『エレクトラ』では、クリュテムネストラ役を創唱しています。しかし、彼女が最もよく記憶されているのはアメリカの聴衆との触れ合いでしょう、 アメリカでは定期的にコンサートを開き国民的な存在となりました。1921年にインタビューに応じた彼女は、練習についてこのように語っています：
私は、柔軟な音を身につけるのに、次のようなトリルを歌うのが最も効果的だと考えています：
ラとシの16分音符のトリルの譜表
そして、同時に、穏やかで微笑みのある表情を保ちます。自然に微笑んで、 上の歯が隠れるくらいまで、本当に面白がっているように。次に、母音の “ah “を使って、これらの練習を試してみてください。
取るに足らない、色がないトーンを得ることを恐れてはいけない。いざというとき、自分の意思で音色を暗くするのは簡単なことです。この笑顔、穏やかな、愛想の良い表情が、硬さを和らげ、正しい声の置き方を助けてくれることに驚くでしょう。昔のイタリア人はそれを知っていて、強く勧めていたのです。声を若々しく、フレッシュに、そして最高のコンディションに保つために、これ以上のものはないでしょう。
コメント
つまり、ここで偉大な声のひとつが言っているのです。 この段階で、あなたの声がつまらないものになったとしても、気にすることはありません。そして、彼女はヘンリー・ウッドとまったく同じ指摘をしています。必要なときに、音色を暗くすることは、将来的に簡単にできるようになるだろうということです。一般の人は、すべての声楽家の中でコントラルトは、練習時間を深みと闇に浸って過ごすのだろうと思うかもしれません、 しかし、シューマン＝ハインクが正しく言うように、イタリア人はもっとよく知っていた。。そして、明るい音色が身につけば、暗い音色は『意志』によって、押し付けるのでも、強制するのでも、操作するのでもない、と言っていることにも注目してください。
Tip 75
1878年、ロンドンで『Advie to Singers, By a Singer』という本が出版されました。この本は、ウォーンの「便利な情報書」シリーズの一部で、「英国沿岸の一般的な海草」、「英国鳥刺し」（「鳥や動物の皮を剥ぎ、詰め、飾る方法」）、「使用人の実用ガイド」（「主人と奥さんのために」）、「現代の自転車」（「暗黙の指示に従えば、家庭教師の助けがなくても誰でもすぐに上手に自転車に乗れる」・・・）などがあります。この歌の本はヒットし、2年後には増刷が決まりました。
匿名の著者であるロンドンのスペリオール・ヴィクトリアン・シンガー（SVS）を、自分の能力に何の疑いも持たず、いかにもヴィクトリアン的であったことから、私はこう呼んでいます！彼は、アーティストというより探検家的感覚で、徹底した現実的なアプローチで歌の謎に挑みました。彼は、ヘンデルの時代にイタリアの良き伝統がイギリスに伝わったと考えていました。彼は、自分のような少数の歌手がその伝統を守っているのだと思い、新たな展開に疑念を抱いていました。彼は自己否定と自制を説き、特にバレエで一夜を過ごした後は、早朝に冷水を浴びる必要性を説きました。
SVSは「明瞭さ」を良い声の第一条件として評価し、最初の音色の試みに対して「薄い」という言葉を躊躇なく使用しました：
Fの音を薄く、しかし堅く安定した音で鳴らすように始める［これは彼が引用しているナヴァのエクササイズにおいて］。
このような[低い]音では、音色はフルで重くする必要はなく、むしろ良く響くWELL-PRODUCEされた、軽く、薄い音質であるべきです。
コメント
SVSの最初の練習に対する指摘は、シューマンハインクの指摘と一致します。最近は、最初から過度に『フル』で『低く響く』音色を出そうとするプレッシャーが生徒にかかることがあります。昔の巨匠たちは、それとはまったく異なるアプローチで、無理のない純度、透明度、「輝き」を第一条件としていました。
Tip 76
リヒャルト・シュトラウスという作曲家は、ほとんど説明するまでもないでしょう。彼自身は歌手ではなかったが、歌手と結婚していました。彼は歌手の芸術を非常によく観察していました（レパートリーの章のTipを参照）。1924年にこんなことを言っています：
私自身、特にワーグナーの音楽劇で目撃したことだが…声は大きいが発音が悪い歌手は、オーケストラの波に飲み込まれてしまった。一方、声は小さいが発音がシャープでフレージングがはっきりしているアーティストは、オーケストラの音の洪水に対して作者の言葉を難なく伝えることができたのだった。
コメント
そう、オーケストラを越えて歌い手のフレーズや言葉を聴き取ることができるのは、声の純度や表現力の高さなのです。
歌の純粋さ、透明感、「鳴り」は素晴らしい美徳であり、それを達成するために必要な忍耐強い訓練に十分値します。【後注、p.467】
【後注、p.467】
現代が「量より質」のプロセスをもう一度理解してくれれば、必ず役に立つでしょう。昔のやり方では、生徒の声は最終的に正しくなる前に必ず間違って聞こえるものでした。つまり、純度、透明度、強度、安定性、容易さ、などの理想に対して、明らかに弱い部分や弱い結果が音域全体に存在することを受け入れていたのです。あなたはその声に可能性を感じ、生徒と一緒に根気よく、決して無理強いすることなく、すべてをまとめあげることができるのです。今はむしろ、「プロの音」を創り出しているつもりで、早い段階で声を押したり大きくしようとし、その弱い部分を覆い隠してしまいます。昔の方法の巧みさは、声がより確実にまとめられていたこと、そして、どこの弱点であれ、やらなければならない作業が、その過程で誰の目にも明らかだったことです。しかし、昔のやり方は、関わるすべての人の理解と忍耐が必要でした。
2023/05/28 訳：山本隆則