[WE SANG BETTER VOLUME 1 HOW WE SANG by JAMES ANDERSON]
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PRACTISING – WITH MORE AWARENESS NOW
練習 – より意識的に
Awareness, ease, joy, aiming to be more secure and even
意識的、容易さ、楽しさ、より安全で、均一であることをめざして
今、声区の章を終えたところですが、いろんな意味で “最も難しい ” 一連のTipsが含まれていました。今こそ、再び励ましの言葉を贈る時かもしれません！
あなたは、これまでに得られた知識と、おそらく素晴らしい歌を作るためのより良い意識を持って仕事をすることで、良い進歩を続けることができるでしょう。他の人々をよく聞き続けてください。【後注、p. 469】 先生と一緒のときだけでなく、先生から離れてもできる仕事があることを理解しましょう。
練習では、楽になるように、そして不幸ではなく喜びを感じられるように努力しましょう！あまりに早く『レパートリー』や『解釈』に移行するのは禁物で、まずは自分自身で均一な声を確保しなければならないことを理解することです。
【後注、p. 469】
他の人の声に耳を傾けることは、あなたの『仕事』の一部なのです。そして、この聴く仕事に『知識』の息吹を吹き込むことができればできるほど良いでしょう。ある意味、すべては自然とフォームに帰結します。自然は、それぞれの声が最も魅力的で使いやすい響きを見つける場所を示唆します。Tip 120にはその要約が紹介されています。しかし、「聴く」方法は他にもあります。例えば、本書を通して賞賛されているシンプルな資質、すなわち、楽さ、姿勢、純粋さ、明瞭さ、ソノリティ（そしてソノリティを「強要」しないこと）、安定性、真の母音、ディクションの容易さなどを聴き取りたい場合などです。これらはすべて、声が整っているかどうかの目安になります。
145. バルフ、ローレンス＆バット― 手本となる声は大きな助けとなる
[適切なエクササイズを見つけるための注意事項]
146. カラス ― そう、私の先生は助けてくれました；でも、あなたは自分自身で物事を発展させることもできるのです。
147. ウォーカー ― そもそも歌は簡単であるべきだと自分に言い聞かせ、最高の理想に向かって取り組まなければならない
148. ウッド、ナヴァ、デュプレッツ ― 歌の学習は惨めさではなく、喜びに基づいていることを再認識すること！
149. デ・ルチア― 声を良くするために練習に練習を重ねた
150. クリヴェッリ ― すべての歌唱において、（必要なとき以外！）「呼吸」や「大きな息」に集中することは不要であることを自分に言い聞かせること。
151. ウッド、シュマン・ハインク、ポンセル、ホーマー、イヴォーギィウン、ヘンペル、ブラスラウ、ナルチェシ、コッリ、ベーコン ― ただし、解釈や「色彩」については、あなたがより確実で均一なものを手に入れるまで、どうぞそのままにしておいてください。
Tip 145
良い声を聴く必要があることを再認識しましょう。これは1857年、バルフェが親に対して行ったアドバイスです：
私は、子供の発声能力を伸ばしたいと願う親には、できるだけ頻繁に、特にイタリア・オペラのような著名な歌手を聴かせることを強く勧める。一流のアーティストの良い演奏を1回聴くことは、レッスンを12回受けるのと同じくらい有益である。
1880年代、少女だったクララ・バットはコントラルトのコンサートに参加しました。それが彼女の人生を形づくりました：
一家はコロネーション・ロードのミダ・ヴィラに引っ越し、隣には歌の先生であるブルックス夫人が住んでいて、ソプラノ歌手であった彼女はクララもそうであろうと判断しました。しかし、コントラルトのベル・コールを聴くためにコルストン・ホールのコンサートに参加した後、クララは聴いた音を真似てみると、その声区でも心地よく歌えることに気づきました。彼女はパーラーでブーンと唸りながら、通りを行き交う人々に聞こえるかどうかを確かめていました。
コメント
インスピレーションを与えてくれる生演奏がなければ、レコードでもいいのです。ドラマティック・ソプラノのマージョリー・ローレンス Marjorie Lawrence は、1920年頃、オーストラリアの奥地で少女時代を過ごしました：
歌を学びたい、音楽についてもっと知りたいという私の野心は、燃え続けていました……クララ・バットとメルバのレコーディングを聴き、バットのようなコントラルトになるか、メルバのようなソプラノになるかは決められなかったけれど、どちらの歌手のようにも歌えるような気がしたのです。私は家からできるだけ離れたパドックに出かけて、何時間もかけて、有名な2人の歌手の真似をすることに全力を注ぎました。
まず私が『Land of Hope and Glory（希望と栄光の国）』をバットで歌い、次にメルバが『Lucia（ルチア）』の『狂乱の場面』を花火のように熱唱すると、草をかじるのをやめて集まってきて耳を傾ける気の毒なバカ面した羊たちがひどく困惑していました。[!]
ベル・コール（1853年生まれ）、バット、メルバ、ローレンスの4人がレコードを残しています。我々のシンガーの遺産は実に多くのものを秘めています。
p. 258
A NOTE ON EXERCISES
練習についての注意
私たちの時代には、膨大な数の “エクササイズ “が生み出されました。
もし例が欲しければ、ぜひSingers Legacyのウェブサイトを見てください─そこにはダウンロード可能な歴史的なセットがたくさんあります。
ただし、他の人のエクササイズに『とらわれすぎる』ことがないように！生徒のニーズは一人ひとり違うので、この分野では創意工夫が認められます；
・例えば、SVSは、教師は生徒一人ひとりのためにエクササイズを書くべきだと考えていました。
・ヘンリー・ウッドは、『（歌手たちは）自分たちで小さな練習曲を考案して、いとも簡単にそれをこなすことができた……』と言っています。
・アメリカ人ソプラノ歌手のメイベル・ギャリソン Mabel Garrison は、『声の必要性は、その性質を変える習性があるから』、その時の必要性に合わせてエクササイズをするよう、あなたに念を押しました。
・そしてガルシア・シニアは、生徒たちにその場の思いつきで練習メニューを考えさせていましたーこんな風に
生徒の声が上達するにつれて、あらゆる障害を克服するまで、より難しい練習を課すのがガルシアの習慣でしたが、生徒のために特定のパッセージを書き記すことはほとんどありませんでした。彼のやり方は、ピアノで和音を鳴らし、『さあ、好きなパッセージを歌いなさい』と言って、そうやってパッセージを10回も20回も続けて歌わせるというものでした。
その結果、弟子は自分の声に合ったもの、自分の好みに合ったものを的確に歌うようになりました。こうして行われたソルフェージュの練習は、その時々のフィーリングによって示唆され、個性的な特徴を示していました。この練習方法のもう一つの利点は、弟子が自分のインスピレーションを働かせることによって、自分の声を完璧に使いこなすようになること、そして、恐れやためらいなしに自分の好みの指示に自由に従えるようになることでした。
Tip 146
ここでカラスは、師であるエルビラ・デ・イダルゴ Elvira de Hidalgo との関係について述べています：
エルヴィラは私の声を軽い声として開発しました。これは良かったと思います。当時、私の声域は低いほうで、ソプラノではなくメゾソプラノだと言う人もいました。
しかし、私はより高い音を開発しました。エルヴィラは低い胸声を教えてくれました。教師からアドバイスされたことを、やってみるだけのことではありません。それは姿勢であり、関係であり、助けなのです…
コメント
役に立つのは、何が芸術的で何がそうでないかについての経験豊かな意見という、その「芸術」そのものです。第15章と第17章では、教師から学べることもあれば、自分で開発しなければならないこともあるということを見ていきます。例えば、カラスの高音は彼女自身が開発したものです。
Tip 147
フランシス・ウォーカーFrancis Walker は、1880年代初頭にフィレンツェで学んだアメリカ人バリトン歌手です。
教師は毎日、彼がゆっくりした音符や音階を歌うのを聴いてくれました。彼はその上達ぶりをニューヨークの姉に手紙に書きました：
私にとって『プレイシング』における最大の難関は、十分に明るいトーンを得ることであり、中音と上音のすべてに率直さが欠けている。[ピアノのミドルC]までを『オープン』トーンで歌い、それから上に向かって『カバード』トーンにするように教わったのを覚えているだろうか。引用した言葉は、おそらく他のどの言葉よりも良い言葉だと思うが、問題は、私は自分の声に明確な質感を保つように導く方法を学んでいなかったということだ。その結果、Cより下の音はすべてベールに覆われたような不確かなイントネーションで、個性も音色もまったくなく、上の音は全体的に無理やりそのような姿勢を取らされ、ほとんど変化させることができなかった。要するに、私の全領域において、自然発生的で確実なものはほとんど何もなかったのだ。
最初のうちは、習慣や間違った考えが強く根付いていたため、どんなトーンも自由かつ率直に伝えることが難しかった….何回かのレッスンの間、あの恐ろしい音［ミドルC］は古いやり方でやってきた─音が死んでいて、響きがまったくなかった。ある金曜日、先生からこう言われた： 『その音色が自由に、そして明確に発せられるまで、我々はそれ以上先に進むことはできない。』…
ミドルCとの格闘は、「オープン」な音色を得るためではなく、いわゆる「科学的」な教師から教わった旧来の発声法から自分を引き離すためだったのだ。この件に関して特に問題となったのは、喉頭を可能な限り押さえるように教えられていたことだ。その結果、鈍く、ベールに包まれたようなミドルトーンになり、より硬く、より明るいものを出すために声を方向づけるという意識が働かなくなったのだ。喉頭を押さえつける、そう！温度計の水銀を押し下げることで、この7月の天候を涼しくしようとしているようなものだ。喉頭、舌、口蓋垂……すべてはおそらく、何が起こっているかを示す何らかの指標ではあるが、声を配置するために、それらに直接、あるいはそれらに働きかけるのは愚の骨頂である。解剖学的な事柄を細部にわたって仔細に説明し、それによって筋肉の配置に対する苦痛や妨げになるような意識を植え付けるような教師は、誰一人として真の意味で正当で成功したキャリアを持つアーティストになることはない。
コメント
この若いアメリカ人は、自分の勉強だけでなく、仲間の勉強についても、歌を学ぶ過程について優れた文章を書いていました。スタートが正しくなかったとはいえ、彼は自分が目指すべき方向をしっかりと認識するようになりました。この意識は、身につけるべき非常に有用な美徳です！
上記の一節にある彼の観察からだけでも、歌の特徴について2つのリストを作ることができるでしょう：
好ましくない＝＝＝好ましい
『veiled（ベールに覆われた）』 (x2)＝＝＝『明るい』(x2)
『lacing in character and or timbre（個性や 音色の欠如）』＝＝＝『definite（明確）』
『forced（強制）』＝＝＝ 『free（自由）』（×2）
『変調不能』＝＝＝ 『率直』（×2）
『dead（死んだ）』 ＝＝＝ 『spontaneous（自発的）』
『 devoid of resonance（響きの欠如）』 ＝＝＝ 『firm（固さ）』
『dull（鈍い』 ＝＝＝ 『clear（クリア）』
little 『pose』(poise)
（ほとんど『構え』（安定感）がない）
『hampering consciousness of muscular arrangement
（筋肉配置の意識を妨げる）』
これらは、すばらしいリストです。(このリストをポスターにして、オペラの管理者の事務所に貼っておきたいくらいです！)望ましい資質には、シンプルで好感の持てる言葉がよく当てはまるようです。
『ベールに包まれた』クオリティは、19世紀の女性歌手にとっては、他の点で優れていれば許される程度だと考えられていました。( パスタがその例ですが、それでも会場の後方まで届く声を持たなければなりませんでした)。男性、すなわちナヴァには全く受け入れられないと考えられていたのです：『……ベールに包まれた声は、どんな種類の音楽でも、特にシリアスなスタイルでは耐え難いものだ。』
Tip 148
そして、ヘンリー・ウッド卿の同じ指摘です：
これらの練習には、決して鈍く、ベールに覆われたような音色を一つも入れてはならない。
音の鳴りは、仕事に取り組むための大きな資質である…鈍く、沈んだ質にも使い道はあるが、長引く鈍さはすべての芸術にとって死である。もし人間の声が5分以上一緒に聴いて面白いものであるならば、そこには人生、強烈な人生と喜びがなければならない。
彼の最後の一文が、この本全体の中で最も好きな引用だと言っていいのでしょうか？ナヴァもまったく同じことを言いました。ナヴァが理想とする声とは、陽気で、メロディアスで、表情豊かなものです（‘allegra, melodiosa, espressiva’）。
当代きってのドラマチック歌手デュプレッツは、音色が鈍く陰鬱であることを推奨していないことを思い出してください–むしろ彼は、『音、すなわち音色は、無理強いすることなく、純粋でふくよかで甘美なものでなければならない』と言っているのです。そして、彼の歌の指導法は、『最終的には、甘く、同時に力強く歌う方法に到達する』ように考案されていました。彼の本には、ボレロやポルカなど、エキサイティングな練習曲がたくさん掲載されています。そして、彼が書いたすべてのエクササイズに対して、その精神に入ることを求めていました：
…… うまくやり遂げたいという切実な願いが伴わなければ、いかなることも行うべきではない。どの曲も、その曲に含まれていると思われる意図を理解するまで、できる限り練習することだ。このようにして進められる勉強は、究極の目的とゴールにつながる！そうでなければ、弟子は道に迷うだけである。
コメント
1930年まで、ヘンリー・ウッドは歌の現状に落胆していました：
現代のアーティストの多くが持つ暗いトーンや暗い語り口に、私たちはどれほど苦しめられていることだろう！
ウッドが力説するには：
……基本的なトーンが、明るく、鳴り響き、クリアな音質でなければ、訓練された歌手とは言えない。[この本で2番目に好きな言葉です。］
Tip 149
カルーソの葬儀で歌ったイタリア人テノール歌手フェルナンド・デ・ルチア Fernando de Lucia は、マスカーニ、レオンカヴァッロ、プッチーニといった現代イタリアの作曲家たちにとても人気がありました。たとえばプッチーニは、『ラ・ボエーム』を書くにあたって、デ・ルチアを『理想のロドルフォ』と考えていました。デ・ルチアは自分の声を可能な限り多彩なものにしようと懸命に努力しました。バロックからヴェリズモまでのレパートリーに取り組み、並外れたイマジネーションで歌いこなしていました。
フランス人のジョルジュ・ティルが、彼は師匠のようには歌えないだろうと言ったとき、デ・ルシアはこう答えています、
でも、君、君が聴いているのは、歌と仕事という人生の結果なんだ。私は元々バリトンボイスで、トップの音域が狭く、音質も悪く、不快なビブラートもあった。日々の練習とソルフェージュの絶え間ない練習だけが、あなたが賞賛するような、ニュアンスの習得、息のコントロール、パワーを私に与えてくれたんだ。
コメント
そう、仕事と日々の練習が、自然の不平等をすべて改善することができます！私たちは何度も何度も昔の歌手たちからそのことを聞いています：真剣に勉強すれば、物事を正すことができるのです。
イギリスのテノール歌手トム・バークは、ナポリでの公演後にデ・ルチアを見つけ、彼の前にひざまずいて言いました、『マエストロ、どのようになさったのですか？』デ・ルチアは自分の喉を指差して、『ここでやったのです』と答えました。
ルチアのレッスンでは、生徒たちはレッスンの始めにこの言葉を暗唱しなければなりませんでした：
‘Maestro, per cantare, bisogna aprire la bocca e pronunziare chiaro.’ (マエストロ、歌うには口を開けてはっきりと発音しなければなりません。）
Tip 150
クリヴェッリはロンドンの王立音楽アカデミーの初代歌唱教授で、1822年から30年近くその職を維持しました。
呼吸に関する彼のアドバイスは、本書の第2章で紹介したものと同じものです：
多くの人は、始める前に長い呼吸をするべきだと考えている……そうすることによって、得ようとする力を失うことになるとは考えずに；
……（長い呼吸の場合、歌い手は）努力して一度に息を吸うか、肺にかかる空気を抑えるために、口を激しくゆがめたり、首を伸ばしたりしなければならないが、これは、あらゆるよく訓練された声が持つべき均等な声質と明瞭な振動を破壊するだけでなく、必然的に調音を妨げることになる。
呼吸は常に何の努力もせずに行わなければならず、イタリア語のAを開いた音で発音する際には、口は開きすぎず、閉じすぎず、自然に楽で微笑んだような表情になる；
これにより、唇が突出したり、横方向に伸びすぎたりするのを防ぎ、前者は小声に、後者はか細い傾向の音を生み出す；舌は口の中で平たく自由になり、下の前歯にそっと触れる。
コメント
クリヴェッリはしばしば『息の楽な管理』に言及しました。第2章の情報源と同様、彼は呼吸法を薦めることはしなかったが、『肺は練習によって強くなる』と言っています。クリヴェッリの言う強さとは、崩れないことを身につけるという意味です。これは彼にとって『呼吸の力』であり、歌の練習を通して、肺が潰れないように徐々に教育していくということでした。
Tip 151
あなたは、レパートリーへの道を急ぐことはありません。昔の歌手は、まず声を整えることを望んでいて、それはエクササイズを歌うことで達成されました：
現代の多くのヴォーカリストの衰退は、トーンや テクニックが確立する何年も前に、解釈や色彩的な歌唱を試みていることに起因する。彼らはまず、どんな母音でも、どんな子音の前でも後でも…… 力んだり、吹き飛ばしたり、押したり、顔をゆがめたりすることなく、その範囲内のどんな音でも歌えるテクニックを身につけなければならない。(ヘンリー・ウッド）
私自身はコンコーネとスケールで育ってきたし、最近の多くの女子とは違って、声区が適切に形成され発達する前に曲を歌いこなすことで声が損なわれることもありませんでした。(シューマン・ハインク)
歌の勉強を始めようと思ったら、まず歌い方を学ぼうと思いなさい。(ローザ・ポンセル)
… あなたは歌い方を知らなければならない。ワーグナー、モーツァルト、オペラ、オラトリオ、コンサート……本当に歌えれば何でも歌えます（ルイーズ・ホーマー）
私がオペラのアリアやそれどころかどのような歌も歌うことを許されるまでには、長い長い時間がかかりました。何度も何度も、毎週、毎週、トーンテクニック、音階、音程……それにマチルド・マルケージ、ボルドーニ、ガルシアや その他の発声練習を繰り返しました。しばらくして、私は歌の練習も少しさせてもらえるようになりましたが、その歌は音のテクニックと発声の観点からだけ準備されたもので、ほとんどの歌には技術的な定型が何度も出てくるものでした。この種のルーティンワークに嫌気がさした多くの若いアーティストの焦りには共感できるものの、その価値はほとんど疑問の余地がないと私は考えていますし、他の何ものにも代えがたい絶対的な確信と声への信頼感を与えてくれるのです。(マリー・イヴォーグン（ソプラノ歌手、エリザベート・シュヴァルツコップの師匠）
私は野心的な少女で、ベルリンでニクラス・ケンプナー女史に師事したとき（彼女は古いイタリアのベルカントの伝統を伝える素晴らしい指導者だった）、私は集中し、懸命に働いた。私は働いて、働いて、働いた！ 通常の学習期間中も働いた、 夏が来ても、仕事を中断するどころか、そのまま続けた。夏の間、私は文字通り何千回も音階を歌い、毎日毎日、丸みを帯びたフルなトーンを聴きながら、エネルギッシュに歌ったと言っても過言ではない。(フリーダ・ヘンペル)
ポジティヴ・ヴォーカル・テクニックと真のヴォーカル・フレキシビリティの本当の意味を知ることができたのは、シベラのおかげです。彼のところに行く前は、イタリアの古いベルカント歌唱について本をよく読んでいました；彼はそれが実際にどうあるべきかを教えてくれました。一般的に、声楽の生徒は準備に費やす時間が少なすぎると思います。物事に ” 急いで ” 取りかかりたい、歌えるようになる前に歌いたいという願望が蔓延しすぎています。(ソフィー・ブラスラウ)
まずテクニック、次に美学。（マチルド・マルケージ）
まったく同じことを、私たちの時代の初めにも言われました：
基本的なことが習得される前に、歌曲が学ばれ歌われるのは、我々の芸術につきまとう不幸である（ドメニック・コッリ、1810年、ポルポラの弟子）
表現を構成するこれらの修正は後の検討事項であり、最初に考えるべきことではない。（ベーコン、1824）
コメント
ヘンリー・ウッドは、非常に上手く言っています：
初期の技術的な仕事では、長い期間、表情も色彩もなく、静かで、堅固で、均一な音だけがあるはずだ［ヘンリー卿にとってこの文脈での『静かな』とは、無理のない、という意味だと思います］。
しかしその後、音符とリズムが完璧になったとき、あるいは少なくとも非常にうまくなったとき、コロラトゥーラの感情的な歌唱に注意を払わなければならない。バッハ、パーセル、アーン、ビショップ、ヘンデル、カリッシミ、チェスティ、ボノンチーニ、スカルラッティ、マルチェッロ、ペルゴレージ、グルック、カッチーニ、ストラデッラ、デュランテ……これらはすべて声楽のための偉大な作曲家であり、声楽的に考え、色彩的で表現豊かな方法で発声法を用いた作曲家たちである。
2023/11/01 訳：山本隆則