Vocal AUTHORITY
by John Potter
なぜ歌手はそのように歌うのか？例えば、なぜ西洋のクラシック歌唱はポップス歌唱とこれほど違うのか？フレディ・マーキュリーとモンセラ・カバリェが一緒に歌えたのはなぜか？世界的に有名な歌手であり、自身も様々なスタイルの達人であるジョン・ポッターが、事実上歌唱スタイルの歴史であるこの魅力的な本の中で投げかけているのは、この種の疑問である。その理由は、特に音楽的なものというよりは、主にイデオロギー的なものだと彼は考えている。彼の著書は、歌唱技術とスタイルにおける特定の歴史的な「変化の瞬間」を特定し、それらを歌唱とテキストの関係に基づくスタイルの3ステージ理論に関連付けている。歌における意味についてのセクションも充実しており、スタイルやテクニックの違いによって、意味の伝達がどのように可能になったり、阻害されたりするかについても議論されている。
Cambridge University Press 1998
目次
序文 xi
謝辞 xv
1. 古典思想と歌の前史 1
2. 中世：宗教、識字率、支配 14
3. イタリア・バロック革命 31
4. 近代の声の発展 47
5. コンサート、合唱団、ミュージック・ホール 67
6. アームストロングからシナトラへ：スウィングとサブテキスト 87
7. 古楽と前衛：20世紀の断片化 113
8. エルヴィス・プレスリーからラップへ：40年代以降の変化の瞬間 133
9. 歌と社会的なプロセス 158
10. ヴォーカル・スタイルの理論に向けて 190
Preface
序文
本書は、なぜ歌手が他のスタイルよりも特定のスタイルで歌う傾向が強いのか、その理由を明らかにしようとする試みであり、歌のスタイルがどのように進化し、変化し、互いに関係しているのかについて書かれている。それは、私が歌手として働きながら研究した博士論文から始まった。イギリスの合唱の伝統の産物と呼ばれる多くの人たちと同じように、私が最初に歌い始めたのは7歳の頃で、たまたまオルガニストだった父の強い希望で地元の教会の合唱団に入ったのがきっかけだった。ボリス・オードの時代からデイヴィッド・ウィルコックスの時代へと移り変わろうとしていた頃、わずかな才能と多くの親のビジョンのおかげで、私は最終的にケンブリッジのキングス・カレッジの聖歌隊学校に入学することができた。その15世紀に建てられた輝かしいチャペルでの毎日の練習や礼拝は、そこで歌う特権を与えられた子供たちに忘れがたい足跡を残した。私が14歳で転校したとき、オックスフォード大学かケンブリッジ大学のいずれかのカレッジに学部生として戻り、自分がやり残したことを引き継ぎたいと思ったのは、ごく自然なことだった。そのため、60年代半ばには、新しく身につけたテノールの声で、必要な合唱の勉強をするために歌のレッスンを受けていた。このちょっと真面目な仕事を始めたのとほぼ同時期に、私はまったく別のものに夢中になった：60年代のポップシーンの、ほとんど本能的な興奮である。他の何千人ものティーンエイジャーと同じように、私はリズム・アンド・ブルースを演奏するバンドを結成し、音楽そのものと、ブルースの演奏における「真正性」の問題に魅了されるようになった。当時のティーンエイジャーのバンドは、マディ・ウォーターズやハウリング・ウルフ、その他大勢の無名のシンガーたちに対して、ほとんど宗教的な尊敬の念を抱いていた。それでも私たちは、彼らの曲を自分たちのものにする権利があると思い込み、自分たちのヴァージョンを「オリジナル」や他のバンドのものと喜んで比較したものだ。
当然といえば当然だが、当時の私には不自然に思えたが、合唱の奨学金を得るためにはある方法で歌わなければならなかったし、バンドの前座を務めるときにはまったく別の方法で歌わなければならなかった。
xi/xii
両者の音楽はまったく異なるものだったが、まったく相容れない2つの発声法を必要とする音楽的理由は見当たらなかった。私はブルース・シンガーとしてはあまりうまくなかった。その理由は、私の “クラシック “の訓練がブルースの歌い方を阻害していたからだ。自然な形で言葉を作ることさえ、非常に難しく感じられた。いずれにせよ、当時は完全に中流階級のイギリス人少年だった私が、アメリカのアクセントを完璧に真似ることなどできるわけがない。少なくともビートルズにはまともな地方訛りがあった。ポップ・シンガーとしてのキャリアは長くは続かず（後に70年代の有名バンドのセッション・シンガーも務めたが）、私は「クラシック」シンガーになった、私の経歴が許す唯一の可能性のように思えた。
クラシックの歌唱がなぜポップスの歌唱とこれほど違うのかという疑問は、それ以来ずっと私の頭を悩ませてきた。70年代から80年代にかけて、アーリーミュージック現象や、それに並行して（実際には数十年前から）進行していた前衛的な発声法の探求によって、従来の歌唱に対する考え方に疑問が投げかけられるようになると、その疑問はさらに切実なものとなった。私は、教え込まれた伝統的なものから、再発見や 新たな発見を試みる難解なスタイルまで、さまざまな歌唱に再び参加 している自分に気がついた。好奇心（研究という言葉では立派すぎる）が私をルネサンスとバロックの歌唱論に向かわせ、かつてポップスとクラシックの歌唱が同じものであったのかどうか、歌唱が単に歌唱であった時代があったのかどうか、歌手がこのような社会的・音楽的区別をする必要がなかったのかどうかを調べようと考えた。掘り下げれば掘り下げるほど、その疑問はより複雑なものとなり、私は最終的にオープンユニバーシティで博士論文として正式に研究することになった。私は今も歌い続けているし、自分が選んだ職業とある種の批判的な対話を続けている。だから本書は、継続的な経験を背景に書かれた、一種の進行中の作業として読まれなければならない。
ある種の原初的な歌があったとすれば、それは社会的な文脈の中でしか存在しえなかったこと、そして社会学的な状況の変化とともに歌のスタイルも進化してきたことが、すぐに明らかになった。私は、歌と社会との間に具体的な関連性を見出すことはできなかった（いくつかの人類学的研究はそのことを示唆しているが）、むしろ、一般的なイデオロギー的プロセスが、歌い手が自分自身を見出す社会の中で、歌い手に作用していることを発見した。
xii/xiii
歌について書かれた最古の文献は、テキストのコミュニケーションを示唆しており、歌に他のどのような機能があるとしても、それは言葉を特定の方法で伝えることを可能にするものである、というのがこの研究の根本的な仮定である。私の主な結論は、ミック・ジャガーであろうとエリザベート・シュワルツコフであろうと、歌唱がどのように発展しようとも、スタイルの更新はテキストをより適切に伝える方法を見つける必要性によって推進されるということだ。これらの方法が何であるかは、その音楽が歌われる社会学的文脈によって異なる。歴史的に見ても、テキストに関連したスタイルの重要な変化を確認できる瞬間は数多くあった。それに続いて（この研究で取り上げた例では、常にそれに続いて）、何らかの形でスタイルがより精巧になったり、名人芸的になったりする発展期が続くことが多く、最終的には、テキストに関係する別の変化が引き起こされるまで、それ以上の進化が不可能になるプラトー（高原）に達する。
私の頭の片隅にある課題は、なぜ私のような歌手が、さまざまな状況下で、さまざまな方法で歌わなければならないのかを説明することだったので、私の説明は、西洋における歌についての必然的な個人的かつイギリス中心主義的な見方である。文化的な問題については、まだ取り組んでいないことが多く、各章はさらなる研究の必要性を示唆している。私は一般的に、今日のイングランドの歌手に関係するような結果に結びつくものであれば、イングランド以外の情報源から得た証拠を使用した。例えば、クラシックの伝統的な歌唱法について説明するのに、イタリアの歌唱法を抜きにすることはできないだろうし、ポップミュージックやアメリカにも同じ原則が当てはまる。本書は包括的な歌唱史になることを意図しているわけではなく（そうなるとかなりの分量が必要になる）、様式の発展が特に重要だと思われる時代のスナップショットを大まかに年代順に並べたものである。私は、現存する証拠が許す限りそれに近いものの、最初からとは言わないが、「古典的」という言葉を生んだ古代の時代について簡単に論じることから始める。続いて、中世とバロック時代についての章があり、現代的なテクニックとして認識されるようになる以前の、世俗と聖なる状況における歌唱の性質について考察する。次に、声がどのように機能し、どのようにしてオペラに使われるようになったのかが考察され、合唱についての章が続く。次にポピュラー音楽に目を向け、歌声が実際にどのようなものであったかを知ることができる最も古い録音から始める。
xiii/xiv
第6章から第8章は、最近のポピュラー音楽とクラシック音楽で使われる歌唱法を扱ったもので、文書資料ではなく録音資料を参照できる利点がある。最後の2章では、歌唱における意味と、クラシックとポップスの歌唱の違いを定義するイデオロギー的要因のいくつかを検証し、本書全体を貫く様々な理論的な糸を、なぜスタイルが変化するのか、そしてそれらが互いにどのように関係しているのかについての概説的な理論にまとめあげる。
2024/08/04 訳：山本隆則