[H. Brower: Vocal Mastery, 1920, P.213]
DAVID BISPHAM
THE MAKING OF ARTIST SINGERS
もし、最もよく知られ、最も愛されているアメリカの歌手の一人を挙げろと言われたら、その選択は間違いなくデヴィッド・ビスハムに決まるだろう。このアーティストは、その卓越した歌唱力、言語能力、演技力、真摯な姿勢、高い理想によって、音楽家や音楽愛好家の心をつかんでいる。私たちは皆、彼をアメリカ人として誇りに思っているし、彼の功績を自分のことのように誇りに思っている。
ビスファム氏は長年、俳優兼歌手として公衆の面前に立ってきた。フィラデルフィア出身で、由緒あるイングランド系クエーカー教徒の家系である彼自身がそう呼ぶように、英語圏において、あらゆる種類のボーカルワークでこれほど豊富な経験を持つアーティストは他にいない。彼のプロとしてのデビューは1891年、ロンドンで、ロイヤル・イングリッシュ・オペラ・カンパニーの一員として、メサジェ作の美しいオペラ・コミック『バソシュ』のデュ・ド・ロングヴィル役を演じたことだった。翌年には、彼はロイヤル・オペラ・ハウス、コヴェント・ガーデンでワーグナーの楽劇に出演し、リハーサルなしで『トリスタンとイゾルデ』のクルヴェナール役を演じた。英語、フランス語、イタリア語、ドイツ語の音楽への適応力により、彼はたちまちその一流のカンパニーのメンバーとして認められるようになった。
1896年、ビスファム氏はニューヨークのメトロポリタン・オペラ・ハウスと契約し、何年もの間、両大陸で交互に歌い、シーズンごとに歌い続けた。近年はコンサートに多くの時間を費やしているが、アメリカ人歌手協会の創設者の一人であり、役員も務めている。同協会では、モーツァルト、ペルゴレージ、ドニゼッティなどの古典的なオペラに頻繁に出演している。
彼との最初の対談は、ニューヨークのスタジオで行われた。この芸術的な隠れ家は、大都市の忙しい生活の中心にありながら、絶対的な静寂に包まれている。ここで、その著名な歌手は指導を行い、プログラムやさまざまなキャラクターを練り上げている。
ブレスコントロールの 問題
「歌手は、動物や人間が眠っているときと同じように、楽に自然に呼吸すべきである」と彼は語り始めた。「しかし、私たちは歌うときは起きている。そのため、正しい呼吸のコントロールは慎重に研究されなければならない。そして、それは理解と経験の賜物である。最高の技術は技術を隠す。目的は、最大限の容易さと自然さで音を奏でることだが、それには辛抱強く努力しなければならない。小さな手でキーボードを叩く子供は、自分が何をしているのか分かっていないが、無意識のうちに自然体でリラックスしている。一方、偉大なピアニストは、容易さとリラックスの原則を理解しており、長年の訓練で必要なコントロールを習得しているため、自然体でいることを意識的に行っている。」
「歌手は、正しい姿勢と体の動きによって、呼吸をコントロールする。体幹はまっすぐ伸ばし、胸郭を動かす。腹部の筋肉のネットワークは、肺から気管へと空気を押し上げることを学ぶにつれ、常に強くなっていく。」ビスファム氏は、自身の体を使って各ポイントを説明し、それを詳しく説明した。
「息の取り方、横隔膜や腹筋の鍛え方が理解できても、それはまだ始まりに過ぎない。呼吸の管理はそれ自体が技術なのだ。歌手は息を吸ったら、次にどうすればよいかを知っておかなければならない。さもないと、口を開けた瞬間にその息をすべて吐き出してしまうことになる。各フレーズにどれだけの息が必要なのかを学ばなければならない。歌手は息を節約する方法を学び、1つの音を限界まで伸ばすことは望ましくないが、ギャラリーが驚嘆の声をあげるように、一部の歌手が行っているように、フレーズが許す限り、1回の息でできるだけ長く歌えるように学ぶことは有益である。」
技術的な教材
「私は生徒一人一人のニーズに合わせて考案したボーカリゼーションやエクササイズを数多く用いる。私はそれを書き留めることを求めず、ただ覚えることを求める。次のレッスンでは、まったく異なる練習を勧めるかもしれない。また、よく知られた曲やオペラのアリアのテーマを練習課題にする場合もある。さまざまな教則本に載っているテクニックの教材は、このようなソースから選ばれることが多いので、なぜそれをオリジナルの形で使用しないのか。このように、生徒がテクニックを学んでいる間、美しい教材もたくさん習得しており、それは後に非常に価値のあるものとなるだろう。
レパートリーの学習
「レパートリーは幅広いテーマであり、声楽を学ぶ者にとって魅力的な研究対象である。声楽家には、想像力と感受性、そして言葉や音楽が示すさまざまな感情や気分を、動きや表情で表現する能力が求められる。
「新しい役割を引き受けるにあたり、私は物語を読み、その核となる部分や筋を理解し、それが何を意味するのかを考える。作曲家はまず詩や台本の言葉を読み、それらからふさわしい音楽を思いつく。だから歌手は、まず言葉を注意深く読み、そこから作業を始める。
「私は次に、作品全体の音楽をピアノで演奏してもらい、その傾向と意味、つまり内容を理解する。作曲家が利用可能であれば、彼にそうしてもらう。次に、私は自分のパートを詳細に研究し始める。重要なセクションだけでなく、些細な部分もだ。些細に見えるが、覚えるのが難しいことが多い。」
役作り
このテーマでは、歌手がキャラクターを表現したり、感情を区別したりしようとする際に、一部の歌手が直面する困難について長い時間をかけて語った。この分野には、知性と想像力を駆使する無限の可能性がある。「一部の歌手は、役柄や歌を特徴づけることができないように見える」と、そのアーティストは続けた。「彼らは、私が『平板な演技』と呼ぶことはできるが、役柄を個性的に表現することはできない。歌手は美しい声を持っているかもしれないが、感情表現が豊かではないかもしれない。演技の才能がなく、キャラクターを演じることもできないかもしれない。
「現在、私はいくつかの新しい役柄を準備している。そのうち3つは老人の役だ。この3つの役を、それぞれ異なるものにしつつも、私が理解しているキャラクターと矛盾のないように表現することが私の役目だ。それぞれのメイクは特徴的でなければならない。そして、私の仕事は、私がそれらを見て感じた通りに役を演じることだ。私は、それぞれのキャラクターになりきらなければならない。そして、その状況下でその人物がどう行動するかを考え、演じなければならない。多くの歌手は演技ができず、ほとんどの俳優は歌えない。この2つが組み合わさると、歌える俳優、またはアクター・シンガーとなる。かつては、歌手が演技について詳しく知る必要はないという考えが一般的だった。声があり、歌えればそれでいいというのだ。しかし、現在はすべてが変わっている。私たちの多くは、この芸術の側面を完璧に極めるには、どれほど多くの勉強が必要かを理解している。
「この件に関連して、私はロンドンデビューの時のことを思い出す。私はロイヤル・イングリッシュ・オペラ・カンパニーでデビューすることになった。彼らは私を起用するかどうかを決めるまでに、3回私の演奏を聴いた。この形式的な手続きが済むと、リハーサルが始まった。私はすぐに、重要な役である私の役の演技方法についての私の考えが、必ずしも舞台監督の見解と一致しないことに気づき、騒動が起こった。マネージャーは、稽古中は演出家のアイデアを一見受け入れるように、しかし、演技については最高の専門家に教えを請い、その後、自分の考えで構想を練り上げるようにと助言してくれた。それゆえ、私は毎日朝のリハーサルの前に1時間、ロンドンでも屈指のコメディ俳優の一人と過ごした。その日の後半、リハーサルの後には、悲劇の名優とさらに1時間過ごした。このように、私の役は悲劇と喜劇の両方の要素を含んでいたため、両方の役柄を演じた。このようにして数週間にわたって非常にハードな仕事をこなし、私は大きな収穫を得たと感じた。もちろん、これは完全に演技的な側面だったが、必要な準備の概要はつかめるだろう。
「本番のゲネプロの日、私は髭を剃って（それまでは髭を生やしていた）、衣装を身にまとって現場に現れ、演出家の奇抜なアイデアに関わらず、自分が考えた通りに役を演じた。最初の公演で私は成功を収め、その後すぐにコヴェント・ガーデンで大作オペラの契約を結んだ。そして、私は10年間そこに留まった。
解剖学に関する知識
「私は、適切な音の出し方やそれに付随するものについて、人の身体構造を十分に理解することが重要だと考えているが、歌の教師を名乗る人々の間では、奇妙で不必要なフェードインやトリックが数多く用いられている。こうした人々が教える理論が非現実的なものであるほど、無防備な生徒たちはそれを信じ込んでしまうようだ。人間はだまされるのが好きなのだ。しかし、私は彼らのその手の欲望を満たすことはできない。なぜなら、音楽について嘘をつくことはできないからだ！
「私は、こうした自称講師の一人によるボーカルレッスンに立ち会ったことがある。 彼は生徒に『音は頭の後ろから出るように歌わなければならない』と告げ、まるで音を目に見えるように引き出しているかのように、頭の上で腕を振り回した。
別の生徒は仰向けに寝かされ、眠っているかのように呼吸するように言われた後、その体勢で歌わされた。私が知っている別の教師は、生徒たちにティッシュを天井に向かって吐き出させ、呼吸の適切なコントロールを学ばせている。なんと馬鹿げたことだろう！
「私が言ったように、私は解剖学について必要なことを知っていると信じているが、それほど多くはない。間もなく、人体を実際に解剖し、呼吸や声に関連するあらゆる骨や筋肉を示した新しい本が発行されると聞いた。研究対象としては興味深いかもしれないが、歌を教えるために、そこまで詳しく調べる必要があるのだろうか？
答えは常にノーでなければならないと思う。金魚鉢の中の金魚に話しかけてみるといい。「もし君が、右に横向きに進みたいなら、左の背びれを優しく揺らしてごらん。そうすれば、望む結果が得られるよ」とね。ああ、アート、汝の名において、どんな罪が犯されることか！
スタジオにて
アーティストにとって、経験こそが最高の教師であるということは、よく言われることである。アーティストが、演奏と指導の双方において幅広い経験を持つ教師である場合、その多様な経験ゆえに、安全なガイドとなるべきであるということも同様に真実であるに違いない。
最近、レッスン時間中にビスファム氏のスタジオを訪問し、彼の指導を聞く機会があったが、このことを私は非常に印象深く感じた。
最も興味深い神聖な場所は、このスタジオである。オペラの舞台で長年活躍したアーティストの記念品や写真で埋め尽くされている。そこには、輝く鎖の鎧を身にまとったビスファムのカラー画が飾られ、また「ベートーベン」として、そしてまた彼自身として描かれた等身大の肖像画もある。その中央には、テーブルに座った師匠の姿がある。彼の前のピアノの前に、生徒が立っている。 彼女が取り組んでいるのは英語の曲で、ビスファム氏は英語だけでなく他の言語もマスターすることを徹底的に信じている。
彼がそこに座っているときの注意深さ、目と耳の鋭さ。彼には、どんな些細な欠点も見逃さない。彼はよくそのフレーズを自分で歌い、それから繰り返しを求める。
「その部分をもう一度歌ってくれ。そこには心地よくない音がある。美しく歌ってくれ！」 「子音に注意してくれ。はっきりしていない。もっとはっきりさせろ。しかし、はっきりしすぎてもいけない」 「フレーズの終わりをすくい上げないでくれ。音をこのようにしてくれ」と、彼は繰り返し説明した。「このフレーズを、できれば一息で歌いなさい。もしできなければ、ここで息継ぎしなさい」――場所を指し示す。
生徒は今、イタリアのアリアを歌っている。もちろん、名教師は印刷された楽譜を必要としない。彼はアリアを暗記しているのだ。彼はただ、後で参照するために、いくつかの注意点を小さな紙切れに書き留めるだけだ。
アリアは非常に上手くいく。終わると歌手は自分の席に戻り、別の歌手が彼女の代わりに立つ。豊かな温かみのある音色。より英語らしく、そして、ビスファム氏の厳しい耳に合うように、最も厳密でなければならな い。
「fireという単語は2音節ではなく1音節で発音する。desireという単語を発音する時は、口を大きく開け過ぎないように。そうするとバランスを崩し、音質も良くないから。」
発声練習
別の学生（素晴らしいテノール）は、数分間発声するように言われた。彼は、上昇音と下降音の音型を歌い、時にはそれを一息で、また時には一番上で一息ついてから歌った。使用された音節は、la、ma、may、miなどである。
彼は次に、単音を歌い、音を大きくしたり小さくしたりした。フォルテからピアノに音を変化させることは、ピアノからフォルテに音を変化させるよりもはるかに難しいことがわかった。
アリア「恐れることはない」が取り上げられた。これは、史上最も難しいソロの一つとされ、声楽の訓練に非常に有益な曲である。
「君は、そのフレーズを大きすぎる声で歌っている」と指導者は注意した。「これは人間が話しているのではなく、天の声なのだ。そのフレーズの高音はもっとソフトに、もっと天国的であるべきだ。若々しい音にして、春の雰囲気を吹き込め。全体をもっとスピリチュアルに、あるいはスピリチュアル化すべきだ。では、最初から最後までもう一度やってみなさい」
これが終わると、その日はもう十分練習したので、そこで終了となった。すぐにクラスは解散となった。若い歌手たち――そのうちの何人かは、コンサートステージで知られていた――が教室から出て行った。一人の若い女性が残った。彼女はドラマのレッスンを受けることになっていた。その歌の巨匠は、ドラマの会話における英語の発音の指導においても、同様に有能であることを示した。
2025/02/16 訳：山本隆則