WE SANG BETTER by James Anderson
Introduction
序文
上手な歌い方について、より明確な教えをお探しですか？それなら、これらの歌手からのアドバイスがあなたを助けてくれるでしょう。自分の声に満足しているけれども、ちょっとだけヒントが欲しいという方。ここでも、多くの事柄が扱われているので、何か役に立つことがあるかもしれません。あなたは、誰かの歌の指導を頼まれたことがありますか？本書を読めば、きっと役立つ見方が得られるはずです。
あなたの興味が何であれ、これらの歌手からのアドバイスは魅力的であり、価値があるものです。彼らは自分たちの芸術について多くのことを知り、今日の私たちに多くの示唆を与えてくれています。
とにかく、この歌手たちは歌の基本を心得ていました。昔はこれをファンダメンタルズと呼んでいました。最近になって、この基本的なことがほとんどなくなってきています！
そして、どんな時代でも自分のやりたいことができるのだから、それでいいとおっしゃるかもしれません。しかし、今、クラシック歌唱は、以前の基準では非常に良くないと判断さ れた多くの実践や非理想が伝播されている段階に来ているのです。そして、そのことを認識するのは、声楽の学生にとって非常に難しいことなのです。
他の芸術分野では、もっと簡単なことなのです。現代アートはとんでもない『感覚』を生み出すかもしれませんが、基本的なデッサンとは何か、できるのかできないのか、まだわかっていません。ダンススタジオに入る子どもは、クラシックダンスから離れたいと思うかもしれませんが、それでもまず、バレエの基本的なステップや動き、姿勢などを教わることになるでしょう。ファンダメンタルズが第一であり、私たちはそのファンダメンタルズと価値について非常に明確にしています。しかし、ボイストレーニングにおいて、基本が先に来ることはほとんどありません！レパートリーを中心としたコースを歌手に押し付け、「役」を獲得できるかどうかを見極め、無理やり音を作り出し、数年後につぶれていく様を見るのです。
昔のやり方は違いました。楽器奏者と同じように、あなたはまずは技術力の習得に時間をかけましたね。それから歌の美学で頭をいっぱいにしたんですね。その後、仕事を探したんですね。
今言ったような美学は、理想に基づいたものです。理想は、いうなれば、歌手というコインの裏側のようなものです。コインの片側には基本的な基礎知識があり、もう片側には理想を追い求める努力があります。そして、この本に登場する歌手たちは、理想を持ち続けました。理想を持ち続けなければ、歌は衰退していくとコメントしています。
理想を目指すというと漠然としているように聞こえるかもしれませんが、歌手にとっては賢明なことなのです。自分で歌の上達を見極めることを学ぶという、正しいトレーニング方法を可能にします。また、『メソッド』や、自分に全く合わない活動に縛られることもなく、個性を発揮することができるのです。
では、解明すべき謎があるのか、それとも知識と勤勉さが必要なのか？
歌の学生は、絶えず近道を求めています！
今の私にすべてを解決してくれる『聖杯』はどこにあるのだろう、私がつかんだり操作したりできる筋肉、それは、：
・私にすべての音を与えてくれる
・または私に求めるボリュームを与えてくれる
・または私に求める表現ができる
・または、音声科学者の間で言われている特別なフォルマントを与えてくれる
等々。
歌の歴史は、この点では犠牲者に満ちています。そのような近道は存在しません！
しかし、ある意味、歌を学ぶ旅は、中世の『聖杯』探しのようなものかもしれません。
良い歌を作るための基本的な知識を身につけるまでは、あなたの旅は正しい道を歩み始めたとは言えません。だから、そういう基本的なことを早く理解した方がいいというのが、我々の歌手たちの共通した意見です。そして、それらを自分の声に応用することから始める必要があります。もし、その機能があなたにとって『新しい』ものであったり、今まで言われていたことと違うものであったりしたら、そう、まるで謎が解けたかのように思えるかもしれません。
あなたが強い理想を持ち続けることで、旅は続いていくのです。自分にはそれを達成するための完全な権利があると信じることです。あなたは練習に真摯に取り組みます。教師が手助けできることは限られています。それはあなたの旅であり、あなたが自分で実践すれば、突破口が見えてくるのです。あなただけの突破口は、練習の『つらさ』から全く離れて、突然あなたに報酬と啓示を与えてくれるように思えます。
最近では、右脳と左脳、潜在意識と意識などという言葉で語られることもありますが、もっとロマンチックに、その瞬間には魂や精神のようなものが感じられるというような説明なら、多くの歌い手が納得してくれるのではないでしょうか。
偉大な歌の特徴はこれです。それは教えられるものではなく、学ぶものです。私たちの情報源は、教師があなたのためにすべての仕事をすることはできないとはっきり言っていました！自分で仕事に打ち込まなければならないし、それは誰のものでもなく、自分の仕事です。ところで、生まれながらにして優秀な歌手はほとんどいませんし、突然すべてを解決してくれるような先生のヒントを得た人も全くいません。その代わり、彼らは自分自身を鍛え、『旅』をする必要がありました。個人の専心が必須でした。
このことは、歌の『血統書付き』がめったに成功しない理由にもなっています。誰々が誰々を教えた、誰々を教えた誰々、誰々が私を教えた… だから、私は優秀で、少なくとも素晴らしい伝統を維持しているに違いない。その論理は成り立ちません、 なぜなら、それぞれの時代で重要なのは歌い手一人ひとりが歌い方を学ぶ上で直面した課題を克服するための努力だからです。
私たちは、歌の『スタイル』や『時代』にレッテルを貼ることに夢中になって、同じ罠にはまります。私たちは、『ベルカント』（最終的にどのような定義になるかは別として）はこの時期に死んだ、あるいはこのような歌手の死と共に死んだ、と書かれているものを読むことがよくあります。むしろ『ベルカント』は永久に復元可能であり、それを使いこなすことができる個々の歌手とともに生き、死んでいくのもの、ということなのではないでしょうか？ それでも、なぜ素晴らしい歌声がある時期に集中するのかを説明しようとするならば、それはおそらく個人の歌い手と、その環境を提供する音楽仲間たちの競争心に起因するものでしょう。そして、そのような展開に、世間は熱狂的に追いかけていきます。
私たちは、芸術でも科学でも、あらゆるものを非常に小さな箱に押し込める傾向がありますが、それは歌へのアプローチの仕方としては間違っていますし、少なくとも、歌を学ぶことへのアプローチの仕方としては明らかに間違っているのです。現在の教会音楽家は、自分の音楽は他の人とは全く違うと言うかもしれません。また、古楽愛好家は、例えば、1837年の歌は1836年とは全く違うということを指摘することに喜びを感じるかもしれません。後者の点では、我々の歌手は、音楽作りの特異な傾向の出入りを察知し、その日付を特定することができました。しかし、いずれにしても、歌は総合的な技術として学ぶべきであり、特殊性を重んじることはほとんどありませんでした。
昨今、私たちは専門性に取り囲まれています。例えば、インターネットでポピュラー音楽を調べると、30種類以上の亜種のリストが紹介されることがあります。それでいて、『ポピュラー』音楽が『クラシック』音楽から分かれたのは、ほんの60年ほど前のことです。私たちの時代には『クラシック』が主流でした。『歌う』ということは、誰にとってもほとんど同じ意味でした。100年前のイギリスでは、少年少女が音楽界の有名人のシガレットカードを集めることができ、実際に集めていました。そんなカードに描かれているアーティストは、すべて『クラシック』です。大衆が賞賛したのは、50の歌い方ではなく、主に1つの歌い方だったのです！
過去と同じように、あるいはそれ以上にうまくやっていくには、しばらくの間、専門化を二の次にして、本流を忘れないようにする必要があるのです。当時の標準的なアドバイスは、『可能な限り最高の実例に触れなければならない』というものでした。
アイザック・ニュートンは、この原則をうまく言い表しています。『もし、さらに遠くを見るとしたら、それは巨人の肩の上に立つことによってである。』巨人を探せば、気に入るものが見つかるかもしれません。そして、彼らから学びましょう。
第2巻の終わり頃に、アガサ・クリスティは1900年代初頭のパリでの歌のレッスンを描写しています。彼女の作品の一つである、切れ者の老婦人、ミス・マープルのように考える必要があるのです。ミス・マープルは周囲の若者を批判していた。『これらの若者は誰も考えようとしない…彼らの心はひどく無垢なのだ』。なぜ、彼女は今の世代よりも問題や人間の本質を見抜くことができるのかと問われれば、『ビクトリア朝』だからと答えるでしょう。
私たちは、政府や 政府、制度、および最新の『知恵』に対して畏敬の念を抱くようにプログラムされてきたというのが、この時代の特徴です。しかし、19世紀はもっと危機的な状況でした。我々の歌手たちは、ミス・マープルのように、自分の頭で考えなければならないと固く信じていました。
見た目に豪華で高価なオペラハウスだからといって、現在素晴らしいオペラが上演されているとは限りません!!音楽大学や歌手も同様です。19世紀は、個人を評価し、個人にも組織にも取り込まれないようにすることを強く望んでいました。もちろん、自分に一番厳しく、他人の良いところを常に探さなければなりません。しかし、歌手たちは、自立し、常に目を肥やし、基準を認識することを求めました。
今の基準は必ずしも高いとは言えません！
例えば、私はイギリスやヨーロッパの補助金付きのオペラで、このセリフを何度も聞いたことがあります：
・ 観客のことは気にしなくていい。とにかく何も知らない人たちに向けて歌っているわけではないの で。
・音を出すためには、たくさんの『作業』をしなければならないので、難しそうに見えるのは当然です
・大きな声には醜さもあるはずだ
・クラシックの歌はすべて、大きな努力、特に横隔膜の努力の結果である
本書の歌い手たちは、上記のような仮定を、……呆れるほどナンセンスで、最も恐ろしい基準だと書き切ったでしょう！そして心配なのは、ある関係者が言っていたように、歌手の悪い習慣が長く続くと、『彼らの影響は大衆の趣味を狂わせ、彼らの手本は若い歌手を真の道から遠ざける』ことなのです。
We Sang betterはかなり長い本です。しかし、その長さによって、かつてこのような問題に対する『意見交換の場』があったことが明らかになればと期待しています。しかし、歌い始めたばかりの人たちが直面する問題と同じように、彼らの挑戦や 成功を読むときっと勇気づけられるに違いありません。学生一人ひとりのニーズも違いますし、どのコメントが誰にとって一番参考になるかはわかりません。
これらの歌手は、多くの場合、両親のどちらかから手助けやアドバイスを受けながら、家庭で歌を学んでいました。
私はこれが、環境が異なる現代では、そう簡単に実現できるとは思えません。親は声に対する思い込みを捨てて、ここではもっとシンプルに考えなければならない！
しかし、もし親がそのようなことができ、音楽に関する一定の知識を持っていれば、子供や若者を良い方向に導くことができ、子供の声の持つ素敵な資質をすべて盛り込めるでしょう。確かに、歌を歌っている子供を持つ親御さんには、この本の中身をぜひ知ってもらいたいと思います。
また、以前は楽器奏者と歌手の連携がうまくいっていたことも特徴です。最近では、歌手や歌の先生は、楽器奏者の同僚と自分を切り離す傾向があります。しかし、昔からのアドバイスでは、楽器奏者と同じように正確に歌えるようにならなければいけないと言われていました。
時には、楽器奏者が歌い手を導くこともあると考えられていました、 楽器奏者が美しい楽音を識別するのは、声楽の先生が良い楽音を意識するのとは違い、時間が経つにつれて極端な方向に進んでしまう危険性があるからです。
場合によっては、楽器奏者も歌手になることがあります！
本書にはいくつかの事例が紹介されています。
器楽奏者は、適切な音楽性、洞察力、献身性を持って、この課題に取り組むことができます。【後注465】
【後注465】
この楽器演奏と歌唱の間については、いくつかの注意が必要です。楽器演奏者のアプローチに感心するところがあれば、アドバイスをもらってください。私が言いたいのは、一般の楽器奏者が歌手に指示を出して、それが自動的に役に立っていると思い込むことではありません！
楽器奏者が歌の世界で役に立つかもしれないのは、次のことを理解していればなりません
・歌は、偉大な芸術である
・歌は、学ぶのに時間がかかる
・歌うことは、多くの場合、学習において非常に謙虚な体験となります
・歌は、指一本で軌道修正できない芸術である
・歌は、すべての音を自分で作る芸術であり、楽器の後ろに隠れることは決してできないのです。
歌い手は、 優れた楽器奏者の演奏に耳を傾けてください。もちろん、本当に尊敬する人（それは、出会ったときにわかることです）のアドバイスだけを参考にしてください。でも、そうですね、両者とも常に美しい楽音を目指さなければなりませんね。(歌手の方は第11章が参考になると思います。）
私も、歌は誰でも、やろうと思えば、そして努力すれば、うまくなれると信じています。そういう意味で、この本は誰もが楽しめる内容になっています。
最近のボイスレッスンは、歌唱力を高めるどころか、むしろ制限してしまうこともあるのです。あなたはそもそも、心地よい自然な声、熱意、物事に取り組む意欲的な知性を持ち合わせているのかもしれません。先生は、あなたの声の響きを最初は褒めてくれますが、その後のレッスンで、あなたが身体的に不快に感じたり、音楽的でないと感じる方法であなたを追い込んでいきます。あなたは指示に従えと言われながら、自分がハンディキャップを負っていると感じています。昔のやり方は、あなたの性質や自発性、知性をより尊重するものだったと思います。
最高の歌手になる人を識別する、明らかな聴覚的、身体的特徴はあるのでしょうか？19世紀の最も偉大な教師の一人で、芸術家であると同時に科学者でもあり、喉頭鏡の発明者でもある彼は、非常に長い人生の中で、そのような特徴を見出すことが出来ませんでした！
しかし、それ以外に歌手のポテンシャルを示すものは何かあったの でしょうか？そう、彼は何かを見つけました。それは、歌手の発声器官とはほとんど関係ないものでした。
彼は実際に若い歌手の目を見ました：
… [ 私は ]音楽という職業で将来成功するという予測を、意中の生徒の目から読み取ることに失敗したことはほとんどありません。
J.A．
Pollensa、Spain
2012年9月。
Preface to the Tips
Tipsへの序文
p.3
We Sang Betterは、1800年から1960年にかけて国際的に活躍した約200人の歌手を取り上げています。勿論、予想通りの展開もあるのですが、なるべくバラエティに富んだコメントを入れました。【後注p.465】
【後注p.465】
この国際的なリストには、『ロンドンで歌われたもの』という偏りがあるかもしれませんが、このテーマを取り上げる上で、決して不利なことではありません。ロンドン、そしてイギリスは、優れた歌い手に対してオープンな耳を持ち、私たちの時代の大半は、他者から学ぼうとする姿勢を持っていました。そして、これまで多くの偉大な歌手が英国で活躍しました。
歌の歴史を紐解くと、必ずガルシア家というスペインの非凡な一族にたどり着きます。マヌエル・ガルシア・シニア（1775年生まれ）は、歌手、作曲家、教師、オペラ界の起業家として活躍しました。彼の3人の子供たちは皆、歌の芸術性を高めてくれました。マリア（結婚名マリブラン）は、同年代のアイドルとなり、早世して28歳で亡くなりました。ポーリーヌ（結婚名ヴィアルド）は、作曲家や文学者たちから絶大な支持を受け、例えばチャールズ・ディケンズは彼らの楽屋で涙を流したと言われています。彼女は80歳を過ぎてもピアノを教え、演奏していました。そして、息子のマヌエル・ガルシア・ジュニアは著名な歌の教師となり、若き日のジェニー・リンドの声を回復させたことでよく知られています。100 歳という大台に達するまで、生徒を指導し続けました。
ガルシアの両氏は、歌について幅広く著作を残していますが、主に第2巻の第4部で述べた理由から、私は著作よりもレッスンで語ったことに重点を置いています。
歌手からのヒントだけでも250件ありますが、さらに教師、指揮者からのコメントで、歌手の芸術をうまく抽出できていると思われるものを追加しています。例えば、ロンドン・プロムスで有名なサー・ヘンリー・ウッドもこのカテゴリーに入ります。ガルシア・ジュニアはヘンリー・ウッドを知っていました。若き日のウッドは、ロンドンで行われたガルシアのロイヤル・アカデミーの授業で伴奏者を務めていたのです。後述するように、ウッドは生涯を通じて歌手と仕事をし、その芸術に魅了され、歌に関するいくつかの問題を実にうまく説明することができました。
2023/04/04 訳：山本隆則